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Trio, Quintett, Enemy in the Figure

Trois chorégraphies de William Forsythe, interprétées par le Ballet de l’Opéra national du Rhin – Théâtre de la Ville Sarah-Bernhardt, dans le cadre de Chaillot hors les murs.

Trio © Agathe Poupeney

Principalement formé à New York où il a grandi, William Forsythe a commencé sa carrière au Joffrey Ballet, puis au Ballet de Stuttgart, avant de diriger pendant vingt ans à partir de 1984 le Ballet de Francfort, année où il crée la pièce Artifact. Il fonde ensuite, en 2004, la Forsythe Company, qu’il animera jusqu’en 2015.

S’éloignant du répertoire classique par ses recherches, Forsythe a rendu plus dynamique l’expression chorégraphique. Ses expériences dans les arts visuels lui ont permis de faire évoluer les formes esthétiques à travers des performances, installations, films et par le numérique, tous matériaux dont il s’est emparé et qu’il montre dans les musées.

Le Ballet de l’Opéra national du Rhin rend hommage au chorégraphe et présente deux programmes. Le premier, Ici et The look, signé de Sharon Eyal et Léo Lérus. Le second que nous évoquons, présente trois des pièces de Forsythe : Trio et Quintett, de facture classique, Enemy in the Figure, un magnifique récit d’une toute autre nature. Créé en 1996, Trio fait interagir une danseuse et deux danseurs aux couleurs vives et bariolées comme un tableau abstrait, sur l’allegro du Quatuor à cordes n°15 de Beethoven. Écritures des bras et passages de main à main, savants portés et corps plume, tension, grâce et précision guidés par la musique écrivent une chorégraphie entre terre et ciel.

Quintett © Agathe Poupeney

Le magnifique contrebassiste britannique Gavin Bryars signe la musique de Quintett, chorégraphie créée en 1993. Il a étudié la philosophie avant de débuter une carrière de musicien de jazz classique dans les années 1960, de développer l’improvisation libre, puis de composer. Il a écrit plusieurs opéras, dont Médée, mis en scène par Bob Wilson. Ce Quintett porte les vibrations d’un tissu chorégraphique composé majoritairement de solos, quelques duos, trios et ensembles où les corps se mêlent et les liens se tissent avec une certaine mélancolie. William Forsythe a composé la pièce alors que sa femme, la danseuse Tracey Kai-Maier était atteinte d’un cancer, elle disparaitra un an plus tard, en 1994. Les notes graves de la contrebasse de Gavin Bryars dans Jesus’ Blood Never Failed Me Yet reviennent d’une manière lancinante et accompagnent l’ensemble. Comme dans Trio la virtuosité technique des danseurs éblouit dans la fluidité des tours, des sauts et des portés. Dans Quintett, tout est épuré et on y trouve une réelle force de vie dans une pièce profonde et pleine d’émotions où les corps s’étirent à l’infini.

Enemy in the Figure © Agathe Poupeney

La troisième pièce, Enemy in the Figure, a été créée en 1989. Onze danseurs sur scène nourrissent un scénario où la scénographie devient un personnage. Sur une immense paroi de bois ondulée qui traverse la scène en diagonale se reflète l’ombre des danseurs traduite par un projecteur mobile qu’ils déplacent. L’atmosphère est à la fois féérique et inquiétante, géométrique et fantomatique. La musique du compositeur néerlandais Thom Willems, qui a composé pour de nombreuses pièces de William Forsythe, balise l’ensemble de ses rythmes et sonorités électroniques. Un câble et un cordage traversent la scène et une danseuse court, à toute allure, comme menacée, traquée, dans un univers instable et inquiétant. Des gestes en accéléré se répètent et s’affolent. Les costumes transforment les danseurs en aigles noirs contrastant avec les justaucorps blancs des femmes. La chorégraphie travaille sur la forme et la perception, elle est hypnotique. Des trois pièces présentées ici elle est la plus ancienne, étrangement, c’est celle qui s’engage dans la voie du futur.

Quintett © Agathe Poupeney

Ce superbe programme composé par Bruno Bouché, directeur du CCN/Ballet de l’Opéra national du Rhin depuis 2017, est un hommage à l’art de la composition du chorégraphe William Forsythe autant que l’exposition de la virtuosité des danseurs du Ballet de l’Opéra national du Rhin dans l’étendue de leur gamme. Son parcours est emblématique : il est à l’Opéra national de Paris de 1996 à 2014, dirige la compagnie Incidence chorégraphique de 1999 à 2017, compagnie qui produit les créations de danseurs de l’Opéra de Paris et d’artistes indépendants. Il signe des chorégraphies depuis 2003 et travaille de manière très ouverte, entre autres avec le théâtre.

Ces trois chorégraphies – Trio, Quintett et Enemy in the Figure – reprises par le Ballet de l’Opéra national du Rhin sont remarquables. Elles mettent en valeur la danse et les danseurs, tous virtuoses et aériens, la perfection du geste dans sa puissance et sa grâce. Une programmation lumineuse du Théâtre de la Ville Sarah-Bernhardt et de Chaillot hors les murs.

Brigitte Rémer, le 3 mai 2026

Trio, chorégraphie, scénographie William Forsythe – musique Ludwig van Beethoven – lumières Tanja Rühl, répétiteur Thomas McManus – costumes Stephen Galloway – Avec : Pierre-Émile Lemieux-Venne, Hénoc Waysenson, Lara Wolter les 25, 26 avril (20h) et 5 mai et avec Di He, Erwan Jeammot, Alexandre Plesis (les 26 avril (15h), 3 et 6 mai. Création en 1996 par le Ballet de Francfort – Entrée au répertoire du Ballet de l’OnR en 2025.

Enemy in the Figure © Agathe Poupeney

Quintett, chorégraphie William Forsythe, en collaboration avec Dana Caspersen, Stephen Galloway, Jacopo Godani, Thomas McManus, Jones San Martin – musique Gavin Bryars -costumes Stephen Galloway – décors, lumières William Forsythe – Avec : Ana Enriquez, Julia Weiss, Miquel Lozano, Marc Comellas, Cauê Frias les 25 avril, 26 avril (20h) et 5 mai et avec Marta Mendo Dias, Susie Buisson, Maron Delavaud, RubénJulliars, Miguel Lopes les 26 avril (15h), 3 et 6 mai. Création en 1993 par le Ballet de Francfort – Entrée au répertoire du Ballet de l’OnR en 2017.

Enemy in the figure, chorégraphie, scénographie, lumières et costumes William Forsythe – musique Thom Willems – Avec 11 danseurs. Création en 1989 par le Ballet de Francfort – Entrée au répertoire du Ballet de l’OnR en 2023.

Équipe du Ballet de l’Opéra national du Rhin : Bruno Bouché directeur artistique, Emmanuelle Boisanfray administratrice, Jérôme Duvauchelle directeur technique, Claude Agrafeil, Adrien Boissonnet maîtres de ballet, Boyd Lau régisseur général, Maxime Georges pianiste répétiteur.

Des hommes endormis

Texte Martin Crimp – traduction Alice Zeniter – mise en scène Jean-Luc Lagarde, compagnie Seconde Nature – à l’Athénée Théâtre Louis-Jouvet.

Dramaturge britannique, Martin Crimp est aussi traducteur et metteur en scène et monte parfois ses propres textes. Il a écrit et publié depuis les années 80 une quinzaine de pièces et des livrets d’opéra pour le compositeur Georges Benjamin, dont Written on skin présenté en 2012 au Festival d’Aix-en-Provence et Lessons in love and violence au Royal Opéra House de Londres en 2018.

Des hommes endormis est une commande de Katie Mitchell pour la troupe du Deutsche Schauspiehaus à Hambourg où la pièce fut créée en 2018. Comme l’ensemble de son théâtre il explore la violence contemporaine avec une certaine cruauté et beaucoup d’humour, dans un rapport singulier à l’absurde.

La scénographie nous mène dans un séjour bourgeois sommairement représenté avec grand frigo et petit point d’eau. Une chanson blues à bas volume communique une impression de calme. Une immense baie vitrée permet, dans son opacité, de prolonger l’action sur le balcon et à un moment de nous faire voir la ville (scénographie Ludovic Lagarde, en collaboration avec Sébastien Michaud). Côté jardin une table et une chaise type chaise d’école, inconfortable, l’antre de la protagoniste, Julia, (Christèle Tual) auteure apparemment connue mais on ne le saura que tard. Côté cour un lampadaire des plus banals et à mille mille de la première, une seconde chaise tout aussi inconfortable sur laquelle est avachi l’époux, Paul, (Laurent Poitrenaux) un tantinet non-réactif aux coups qu’il reçoit. À ses côtés, un magnétophone, il est producteur de musique à défaut d’avoir été pianiste.

La pièce ouvre sur un bruit d’avion qui couvre les voix et la musique, et qui revient de manière récurrente – caractère subjectif du son – Julia, femme de tête fantasque envoie ses salves existentielles de manière hâbleuse et sans réserve pour faire payer à son époux la distance mise entre eux, le manque de tendresse et l’absence d’enfant, et, derrière sa superbe, tente de régler ses comptes avec son propre désarroi. La mise en scène suspend l’action par des noirs qui rythment le spectacle comme des plans de tournage entre leur début et leur fin.

Il est deux heures du matin, à cette heure sommes toutes singulière s’il s’agit d’invitation Julia a convié sa nouvelle assistante, Josefine (Hortense Girard), sans en informer Paul. Rien n’est prévu, le frigo est vide. Arrive cette jeune femme, très extravertie, avec son compagnon, Tilman fabricant de meubles (Guillaume Costanza), un drôle d’oiseau, un peu fantaisiste et en vol sans visibilité lui aussi. « Elle disjoncte » dira Paul en parlant de Julia.

Et le quatuor grince, les femmes vont acheter un peu de vin, les hommes se rapprochent, la conversation va et vient entre avoir un enfant ou ne pas. Josefine voudrait s’éclater, danser. Paul lui offre de la musique classique. Elle lui assène un coup violent, lui pulvérisant le nez. Il raconte son enfance, l’abandon du piano qu’il apprenait « j’avais pas d’âme » dit-il, et l’abandon de sa mère. Tilman trouve un reste de salade grecque au fond du frigo et va boire un peu trop, surtout quand Josefine lui fera savoir qu’elle est enceinte. L’appel téléphonique d’un certain Marco à Julia la déstabilise totalement.

La pièce mène du quasi-soliloque de Julia au début de la pièce à son statut de spectatrice avant effondrement et de la gesticulation de Josefine sous lumière psychédélique (signées Sébastien Michaud) à la déroute des hommes endormis. La direction d’acteurs de Ludovic Lagarde est remarquable et le couple Julia-Paul/Christèle Tual, Laurent Poitrenaux – deux acteurs qui ont travaillé à plusieurs reprises avec le metteur en scène – fonctionne à merveille, chacun dans son extrême, de même que le couple Josefine-Tilman/Hortense Girard, Guillaume Costanza dans ses gesticulations et égarements, l’un pouvant être le négatif de l’autre. La mise en scène de Ludovic Lagarde fait osciller le spectateur entre une réalité cruelle et une certaine déréalisation, ouvrant jusqu’au fantastique et au rêve.

Brigitte Rémer, le 5 mai 2026

Julia, Christèle Tual – Paul, Laurent Poitrenaux – Tilman, Guillaume Costanza – Josefine, Hortense Girard. Scénographie Ludovic Lagarde en collaboration avec Sébastien Michaud – régie générale et assistanat à la scénographie, Moustache (François Aubry) – costumes Marie La Rocca – lumières Sébastien Michaud – son et images Jérôme Tuncer – musique Alvise Sinivia – Collaboration artistique à la mise en scène Céline Gaudier – production Compagnie Seconde Nature, avec le soutien du dispositif d’insertion de l’École du Théâtre national de Bretagne. La traduction française signée d’Alice Zeniter a été publiée par les éditions de l’Arche en 2019.

Du 4 au 24 mai 2026, Athénée Théâtre Louis-Jouvet, 4, square de l’Opéra Louis- Jouvet. 75009 Paris – métro Opéra, Havre Caumartin – site : www.athenee-theatre.com – tél. : 01 53 05 19 19

Angelin Preljocaj chorégraphie… le musée d’Orsay

À l’occasion du 40^ème anniversaire du musée d’Orsay, chorégraphies d’Angelin Preljocaj : Boléro, extrait de Gravité, suivi de Hommes au bain, puis de Femmes au bain d’après l’œuvre de Gustave Caillebotte – au musée d’Orsay, les 18 et 19 avril 2026.

C’est en 1986 qu’ouvrait le musée d’Orsay, avec l’installation de collections de peintures, sculptures, objets d’art, maquettes d’architecture, dessins du XIXè, dans une gare emblématique des bords de Seine.

À l’occasion du 40^ème anniversaire du musée, le Ballet Preljocaj présente, sur une scène circulaire montée à la croisée de la grande Nef un extrait de Gravité sur Le Boléro de Ravel (cf. notre article du 19 février 2019). « La gravitation est l’une des quatre forces fondamentales qui régissent l’univers. Elle désigne l’attraction de deux masses. Elle est invisible, impalpable, immanente. C’est pourtant elle qui crée ce qu’on appelle la pesanteur. » dit le chorégraphe.

Gravité © brigitte rémer

Dans la grande Nef le geste est éblouissant et l’énergie palpable. Devant l’immobilité des tableaux Gravité développe énergie, temps, espace et vitesse, explore et déjoue la pesanteur et repousse les limites du corps. Une douzaine de danseuses et danseurs sont à l’œuvre, justaucorps blancs pour les premières, tee-shirts pantalons blancs pour les seconds, entre musique et rythme, pulsion, élévation et suspension, dans un ensemble matérialisant les lois de l’attraction, avec une grâce infinie.

Les spectateurs sont ensuite invités à suivre les danseurs descendus dans la Nef, qui les guident jusqu’à l’auditorium où se déroule la seconde partie de la représentation. Les danseurs et danseuses se mêlent aux sculptures œuvres majeures du Musée, et qui leur ressemblent.

Dans l’auditorium se croisent les regards du peintre Gustave Caillebotte et du chorégraphe, Angelin Preljocaj. Dès 1988 l’univers du chorégraphe croise celui du peintre, dans un court-métrage réalisé par Cyril Collard, Les Raboteurs, d’après le tableau de Caillebotte Raboteurs de parquet réalisé vers 1875, une des premières illustrations du prolétariat en action. Une autre commande est faite au chorégraphe lors de la grande exposition Gustave Caillebotte Peindre les hommes, présentée au musée d’Orsay en 2024/25, il crée une chorégraphie autour du tableau Homme au bain qui représente un homme de dos dans l’intimité de sa toilette, deux danseurs l’interprètent (Elliot Bussinet et Leonardo Cremaschi).

Femmes au bain © Yang-Wang

Angelin Preljocaj reprend aujourd’hui sa pièce, enrichie d’une chorégraphie en miroir, Femmes au bain, créée récemment à Tirana, pays d’origine de sa famille. Il puise dans Femme à sa toilette de Caillebotte et Femmes sortant du bain, de Degas. La pièce dialogue avec la précédente, deux danseuses l’interprètent (Lucile Boulay et Mirea Delogu) qui mettent leurs pas dans ceux des hommes, dans un même protocole, avec des gestes qu’elles se réapproprient. Dans ces deux pièces se rejoue la question du double et celle du rituel, l’eau purificatrice, le drapé de la serviette et la statuaire, dans le contexte du Musée. La lenteur et la majesté s’expriment sur la scène et habitent danseuses et danseurs. On entend le lamento du violoncelle et les oiseaux, suivis d’une musique symphonique.

Ces deux pièces se font écho l’une à l’autre dans leurs gestes en miroir, fois deux, fois quatre. Le clair-obscur donne solennité et beauté à l’ensemble et leur inscription dans le musée d’Orsay est un plaisir esthétique et philosophique. Bel anniversaire au musée d’Orsay, dans la mêlée des arts et l’ouverture aux mondes artistiques, géographiques et de la pensée ! La proposition faite au chorégraphe Angelin Preljocaj est un cadeau pour les publics et pour faire vivre le XIXème au XXIème siècle avec réflexion, exigence et sensibilité.

Brigitte Rémer, le 1^er mai 2026

Dans la Nef © brigitte rémer

Boléro, extrait de Gravité (création 2018). Danseurs-danseuses : Angie Armand, Liam Bourbon Simeonov, Mar Gómez Ballester, Paul-David Gonto, Lucas Hessel, Verity Jacobsen, Florette Jager, Beatrice La Fata, Florine Pegat-Toquet, Valen Rivat-Fournier, Leonardo Santini, Yu-Hua Lin. Chorégraphie Angelin Preljocaj – musiques : Maurice Ravel, 79D – costumes Igor Chapurin – lumières Éric Soyer – assistant, adjoint à la direction artistique Youri Aharon Van den Bosch – assistant répétiteur Paolo Franco – choréologue Dany Lévêque

Hommes au bain (création le 12 décembre 2024, auditorium du musée d’Orsay) – Femmes au bain (création le 11 octobre 2025 dans le cadre du Festival international de danse de Tirana, en Albanie). Danseurs-danseuses : Elliot Bussinet et Leonardo Cremaschi / Lucile Boulay et Mirea Delogu. Chorégraphies Angelin Preljocaj – musique Hildur Guðnadóttir, Jóhann Jóhannsson, 79D – création lumières Anaïs Silmar – assistant, adjoint à la direction artistique Youri Aharon Van den Bosch – assistant répétiteur Paolo Franco – choréologue Dany Lévêque.

Vu au musée d’Orsay le 19 avril 2026 à 19h30. Esplanade Valéry Giscard d’Estaing. 75007. Métro : Solférino – Tél. : 01 53 63 04 63 – site : musee-orsay.fr

En attendant Godot

Texte de Samuel Beckett – mise en scène Jacques Osinski, compagnie L’Aurore Boréale – avec Peter Bonke, Jacques Bonnaffé, Denis Lavant, Aurélien Recoing – au Théâtre de l’Athénée.

Écrite en 1952 En attendant Godot a été créé un an après dans une mise en scène de Roger Blin au Théâtre de Babylone, petit théâtre parisien aujourd’hui disparu. La pièce est traduite dans de nombreuses langues et a été jouée dans beaucoup de pays. En France elle est fréquemment étudiée et présentée. Beckett lui-même l’avait remaniée pour donner plus de chair, comme il le disait, au travail entrepris par son ancien assistant, Walter Asmus au Schiller théâtre de Berlin en 1975.

C’est cette version plus incarnée et moins philosophique qu’a choisie Jacques Osinski, comme avant lui Alain Françon. Les deux clochards célestes, chacun de nature bien différente, essaient de faire passer le temps : l’un, Estragon, appelé affectueusement Gogo (Denis Lavant) est assis sur une pierre au bord du chemin et cherche à retirer ses vieilles godasses de marche qui lui font si mal aux pieds, l’autre, Vladimir, tendrement appelé Didi (Jacques Bonnaffé) au profil plus lunaire et apparemment plus rationnel l’écoute et le provoque amicalement. Un arbre aux branches sinueuses les regarde, sans feuilles. Les mots qu’ils échangent tournent en boucle. Tous deux disent attendre un certain Godot et leur conversation se perd entre le mal de pied, l’attente, la carotte dont Estragon cherche à se rassasier, leurs espoirs et leur vide. Le spectateur se demandera tout au long de la représentation, qui est ce Godot, personnage d’importance et tant attendu – peut-être God, le Dieu… comme une pirouette de l’auteur irlandais.

Soudain, dans un bruit volcanique, arrive un second couple dans un rapport hiérarchique évident, le tonitruant Pozzo au profil de propriétaire foncier, peu subtil et méprisant, fouet en main (Aurélien Recoing), tenant l’autre, Lucky (Peter Bonke), mutique, par une corde, ne l’aidant pas à se relever quand il tombe. On ne sait quels rapports lient ces deux personnages mais le déséquilibre est dévastateur, jusqu’au moment où Lucky prend le pouvoir dans un long soliloque monocorde, inaudible mais convaincant, relevant du déraillement et de l’incohérence. « Les mots sont des traîtres, disait Beckett mais ils sont ce qui reste. » Puis le couple maître-esclave passe sa route laissant à leur attente méditative Estragon et Vladimir, plus seuls que jamais après cette parenthèse.

Jacques Osinski nourrit sa mise en scène en représentant virtuellement un enfant en tunique blanche qu’il fait apparaitre dans une brume ensoleillée, à deux reprises, sur l’écran blanc du fond de scène. On dirait qu’il a fait un long chemin. Il porte un message à l’attention des deux vagabonds : « Monsieur Godot ne viendra pas ce soir… » Vladimir et Estragon décident de rester et de continuer à l’attendre, en quelque sorte à espérer.

Le metteur en scène connaît bien l’univers de Beckett, Prix Nobel de littérature 1969, dont il a mis en scène plusieurs pièces dans son compagnonnage avec Denis Lavant. La première, Cap au pire, un des derniers textes de Beckett, parfaitement désespéré, a été présenté avec l’acteur, au Théâtre des Halles d’Avignon, en 2017. Il y eut La dernière bande, en 2019, pièce en un acte sur le souvenir, pour un personnage avec magnétophone. Il y eut aussi L’Image, une longue et unique phrase de dix pages, sans virgules présentée avec trois autres textes de l’auteur, Un soir, Au loin un oiseau et Plafond, en 2021. Il y eut Fin de partie, en 2023. Autant dire que le duo Osinski / Lavant connaît bien l’univers sombre et énigmatique de Beckett.

Dans cet En attendant Godot présenté, la partition construite par le couple Denis Lavant-Estragon, Jacques Bonnaffé-Vladimir est un bijou. Le premier, Denis Lavant, se met dans les pas de Keaton-Chaplin, avec une fluidité et un talent fou, entre innocence et humour, en maitrisant parfaitement les limites de l’exercice, c’est un terrien ; le second, Jacques Bonnafé, plus métaphysique et lunaire, renvoie les balles avec précision et philosophie. On rit de leur partition minimaliste, mâtinée d’espièglerie et de provocation. De nature bien différente dans l’écriture, le second duo dessine avec Aurélien Recoing un Pozzo en force et avec Peter Bonke un Lucky asservi , tous deux difficiles à cerner dans leur surface de réparation.

Avec En attendant Godot Jacques Osinski déplie le temps beckettien de manière circulaire autant que linéaire et si le spectacle traine un peu en longueur, rien que de normal, Godot se fait attendre…

Brigitte Rémer le 30 avril 2026

Avec : Peter Bonke (Lucky), Jacques Bonnaffé (Vladimir), Denis Lavant (Estragon), Aurélien Recoing (Pozzo) et à l’écran, Léon Spoljaric-Poudade – scénographie Yann Chapotel – lumière Catherine Verheyde – costumes Sylvette Dequest – Le texte de Samuel Beckett est publié aux Éditions de Minuit.

Reprise du 25 mars au 3 mai 2026, à 21h au Théâtre de l’Atelier, 1 Place Charles Dullin, 75018 Paris. Métro Anvers. www.theatre-atelier.com

Satyagraha

Opéra en trois actes de Philip Glass – Livret Constance De Jong, d’après la Bhagavad-Gita – Direction musicale Ingo Metzmacher, avec l’Orchestre et les Chœurs de l’Opéra national de Paris, Cheffe des choeurs Ching-Lien Wu – Mise en scène et chorégraphie Bobbi Jene Smith et Or Schraiber. À l’Opéra National de Paris/Palais Garnier.

Satyagraha est le second volet d’une trilogie composée par Philip Glass autour de grandes figures de l’histoire. Le premier, Einstein on the Beach retraçait l’itinéraire du célèbre physicien dans un spectacle qui a fait date en 1976, signé du metteur en scène Robert Wilson et de Lucinda Childs et sa Dance Company. À nouveau, avec la chorégraphe, le troisième volet, Akhnaten, créé au Württembergisches Staatstheater de Stuttgart le 24 mars 1984 parcourait l’histoire de l’original Akhenaton, Pharaon qui fit du dieu soleil l’unique divinité de l’Égypte (cf. notre article du 15 février 2021 sur la captation vidéo d’André Gordeaux réalisée en 2020 dans une production de l’Opéra Nice Côte d’Azur et de la ville de Nice).

Satyagraha, écrit et chanté en sanskrit, difficulté supplémentaire, explore l’influence de Gandhi à partir de la Bhagavad-Gita, texte sacré de l’Inde qui se traduit par le Chant du Bienheureux, un des écrits fondamentaux de l’hindouisme et partie centrale du poème épique Mahabharata qui, à travers la métaphore guerrière, enseigne le détachement et la liberté de l’esprit. Événement historique, cet opéra de Philip Glass entre au répertoire de l’Opéra National de Paris. La partition, comme la représentation, sont de toute beauté.

Quatre personnages mythiques convoqués par le livret surplombent le spectacle, d’un balcon situé côté cour, figures morales quoique muettes, assistant à la représentation : Léon Tolstoï, Rabindranath Tagore, Martin Luther King et Mohandas Karamchand Gandhi. Côté jardin à la symétrique, un autre balcon permet à certains personnages d’observer la scène (le décor est signé Christian Friedländer). Alors qu’il vit en Afrique du Sud entre 1893 et 1914, Gandhi est témoin de l’apartheid et découvre les écrits de Tagore et ceux de Tolstoï avec qui il échange une abondante correspondance de 1909 à 1910, date de la mort de l’écrivain. Marqué à vie par les injustices sociales il défend la non-violence comme éthique et base sa pensée philosophique sur le principe moral et la force de vérité. Chaque personnage, chaque chanteur, représente ainsi dans la lecture de mise en scène de Bobbi Jene Smith et Or Schraiber, une idée de transformation sociale et d’implication dans les luttes collectives, la vérité pour éthique. « La non-violence est la plus grande force dont l’homme ait été doté. La vérité est son seul but. Car Dieu n’est autre que la Vérité. Mais la Vérité ne peut être, et ne sera jamais, atteinte autrement que par la non-violence » déclarait Gandhi en 1926.

C’est une nouvelle version de Satyagraha qui est présentée au Palais Garnier, l’œuvre originelle, créée en 1980 est écrite pour un ténor, certaines modifications ont été réalisées avec Philip Glass pour le contre-ténor américain qui est au cœur du sujet, superbe Anthony Roth Costanzo. Il porte son rôle de petit soldat à bout de bras du début à la fin du spectacle, avec une belle endurance et un grand humanisme, émouvant à l’extrême y compris quand on cherche à le détruire, physiquement et moralement. La répétition s’inscrit au cœur de l’écriture musicale qui comme dans les ragas de l’Inde, s’étire à l’infini.

Une image forte ouvre le spectacle : le soldat, Anthony Roth Costanzo est à l’avant-scène, apparaît au lointain Anthony, son cousin, soldat qui monte jusqu’à l’avant-scène où il dépose sa vareuse et sera exécuté avant de repartir, comme un fantôme, à reculons (Nicky Spence, ténor). Il est question d’honneur et de devoir, de guerre, de toutes les guerres, celles d’aujourd’hui qui nous heurtent au quotidien. Le violoncelle accompagne la séquence. Au-dessus, les figures totémiques, Tolstoï, Tagore, Luther King et Gandhi sont témoins de la scène. La tension dramatique est forte, dès le début du spectacle.

Apparaissent les danseurs, deux, trois, puis cinq, qui se mettent en mouvement et commentent l’action dans une belle énergie, puis le chœur, où hommes et femmes aux costumes anthracite se répondent, un chœur majestueux, imposant, qui emplit le plateau physiquement et vocalement, scandant les mots. Plus tard, vêtus de manteaux grenat (costumes signés Wojciech Dziedzic) le chœur participe à l’action dramatique, fouillant, torturant, livrant un innocent à la vindicte du groupe, entraînant l’intervention de l’alto Adriana Bignagni Lesca se mettant en danger et demandant plus de justice. « La foule n’a ni loi ni ordre » chante-t-elle, téméraire. La figure du juste revient (Anthony Roth Costanzo), à son tour maltraité.

Des tensions se confirment entre les personnages, certains agressifs, d’autres bienveillants, on traverse le bien et le mal, la guerre et la paix, parfois les gestes se répètent, comme la musique, parfois les hommes s’empoignent sous la lumière crue (lumières signées John Torres). Le baryton-basse Davóne Tines traverse la diagonale de la scène – suivi des danseurs qui prennent possession du plateau – il s’installe au balcon, côté cour. « Tu devrais agir pour soutenir le bien de tous » lui dit-on. Une chaîne se forme dans une certaine lenteur et balancement jusqu’à évoluer en ronde. Des balcons, tous regardent. Un silence s’installe et suspend l’action, puis une reprise de quelques notes répétitives accompagnées du violoncelle, suivi d’autres instruments qui conduisent la danse. « Victoires et défaites ne font qu’un… Si tu es tué, le paradis t’appartient ». Un cérémoniel se met en place et chacun dépose une fleur sur la terre bleue d’une tombe. Choristes et danseurs en ligne s’avancent, montent et descendent du fond de scène à l’avant-scène. Le chant devient offrande. « Tu soutiens les dieux et les dieux te soutiennent en retour ». Quatre femmes dansent, comme des pleureuses en robes noire, violette et rouille. Le chœur sort et la danse continue. Un solo du contre-ténor tel un brahmane traverse et monte jusqu’au balcon côté cour où les personnages emblématiques n’ont pas bougé. « Car lorsque le chaos s’installe, il est Dieu… » Une lucarne s’allume côté jardin. Tout s’apaise. Instrument et vocal solo. À l’avant-scène les gestes sont pleins, les mains se touchent. « Sous une forme invisible je me mêle aux hommes… »

Le texte est une interrogation philosophique sur la non-violence et rencontre l’univers méditatif où se dessinent les savants motifs de l’opéra de Philip Glass. Les solistes, tous remarquables chacun dans leur partition, les danseurs-danseuses dans leur énergie et gestuelle contemporaine autant que populaire, le grand chœur, entraîné par la cheffe Ching-Lien Wu et dans la mise en scène théâtrale de Bobbi Jene Smith et Or Schraiber mettent en espace la pensée magique indienne portée par la Bhagavad-Gita. Derrière craintes et conflits se mêlent les questions du devoir, du corps et du mental, de la méditation, du rejet de la violence et de l’instinct de possession, du renoncement, de la réincarnation. Ce message est magnifiquement porté par la précision de la direction musicale, sous la baguette d’Ingo Metzmacher avec l’Orchestre de l’Opéra national de Paris qui donne à la composition de Philip Glass un souffle lyrique singulier et beaucoup d’émotion.

Brigitte Rémer, le 17 avril 2026

Avec : Contre-ténor, Anthony Roth Costanzo – Soprano, Ilanah Lobel-Torres, artiste de la Troupe lyrique de l’Opéra national de Paris – Baryton, Davóne Tines – Alto, Adriana Bignagni Lesca – Soprano, Olivia Boen (débuts à l’Opéra national de Paris) – Mezzo-soprano, Deepa Johnny (débuts à l’Opéra national de Paris) – Baryton, Amin Ahangaran, artiste de la Troupe lyrique de l’Opéra national de Paris – Ténor, Nicky Spence – Basse, Nicolas Cavallier – Danseurs : Alexander Bozinoff – Lorrin Brubaker – Jeremy Coachman – Jonathan Fredrickson – Marion Gautier de Charnacé – Awa Joannais – Héloïse Jocqueviel – Payton Johnson, Rachel McNamee – Mermoz Melchior – Adrien Ouaki – Ido Toledano. Décors Christian Friedländer – costume Wojciech Dziedzic – lumières John Torres – dramaturgie Jacob Mallinson Bird.

Du 10 avril au 3 mai 2026 – 8 représentations : les 10, 14, 16, 21, 24, 26, 30 avril et 3 mai 2026, à 19h30 – Opéra National de Paris, Palais Garnier, Place de l’Opéra. 75001. Paris – site : www.operadeparis.fr

La Maison de Bernarda Alba

Texte Federico García Lorca, nouvelle traduction Thibaud Croisy et Laurey Braguier – mise en scène Thibaud Croisy – scénographie Sallahdyn Khatir, lumière Caty Olive – au T2G Théâtre de Gennevilliers / Centre dramatique national.

C’est la dernière pièce de García Lorca et l’ultime volet de la « Trilogie de la terre » qui se compose de Noces de sang, Yerma, et La Maison de Bernarda Alba soustitrée Drama de mujeres en los pueblos de España / Drame de femmes dans les villages d’Espagne, à peine terminée en 1936, l’année de la mort de son auteur. Un mois après le coup d’État du général Franco et le début de la guerre civile, le 19 août 1936 García Lorca est fusillé par les miliciens nationalistes de la Phalange, à quelques kilomètres de Grenade où il avait passé sa jeunesse. Il a trente-huit ans, son homosexualité ne fait plus mystère, ses engagements républicains sont connus, son œuvre est considérée comme subversive. Elle sera d’ailleurs interdite pendant de nombreuses années, sa tombe n’a pas été retrouvée.

Très tôt García Lorca s’initie à la musique, à la peinture, écrit des saynètes qu’il interprète et de nombreux poèmes, dont le plus connu El Romancero gitano sera publié en 1928. Il créée un théâtre de marionnettes, écrit des pièces dont les premiers rôles sont souvent attribués à des femmes. « Mes plus lointains souvenirs d’enfant ont la saveur de la terre » disait-il. Après des études à l’Université de Grenade où il se lie d’amitié avec le compositeur Manuel de Falla il décide de partir tenter sa chance à Madrid. Là il rencontre ceux qui plus tard entreront dans le mouvement surréaliste comme le réalisateur Luis Buñuel, l’excentrique Salvador Dali et le poète Rafael Alberti et fait partie du courant littéraire de la Generación del 27, avec les grands auteurs de l’époque. En 1931 il est nommé directeur de la société du théâtre étudiant, La Barraca dont la mission est de faire tourner les grands classiques dans la ruralité espagnole. C’est à ce moment-là qu’il entreprend sa trilogie dont La Maison de Bernarda Alba sera le dernier acte. Il dit d’ailleurs s’être inspiré dans son village d’une famille recluse qu’il lorgnait derrière les murs à ses heures perdues, et dont il voyait parfois passer les filles, comme des ombres.

La première mondiale a lieu le 8 mars 1945 au Théâtre Avenida de Buenos Aires, sous la direction de Margarita Xirgu, l’actrice fétiche de Lorca qui avait joué Mariana Pineda, Yerma et Doña Rosita et qui interprète le rôle-titre. Le 31 décembre, de cette même année, Maurice Jacquemont la met en scène et la présente au Studio des Champs-Élysées. Souvent montée en France la pièce remporte un vif succès, elle a prêté à de nombreuses traductions et adaptations, laissant à penser que ses potentialités scéniques sont multiples. Thibaud Croisy qui signe la mise en scène de la pièce à Gennevilliers a réalisé une traduction à quatre mains, avec Laurey Braguiera avec qui il avait déjà traduit une pièce de Copi, Lamento pour un ange.

La jeune servante rit à gorge déployée (Lucie Rouxel) tandis que sonnent les cloches, avant de se faire rappeler à l’ordre par la Poncia, la majordome (magnifiquement interprétée par Frédéric Leidgens), une sorte de miroir de Bernarda Alba qui elle, enterre son mari. Les prises de bec entre les deux ne sont pas rares, la Poncia a son franc-parler, Bernarda aussi. La scénographie, (signée Sallahdyn Khatir), bordée par une vingtaine de hautes colonnes en fibre de verre, favorables aux apparitions disparitions donne un peu d’intimité pour s’épier, commérer et confabuler, bref se pister. Le sol est blanc et comme couvert de griffes ou de cicatrices, il donne de la lumière mais sait aussi s’éteindre au crépuscule (Caty Olive, créatrice lumière).

De retour en veuve éplorée Bernarda Alba (Charlotte Clamens) s’apprête à donner un tour de vis à ses cinq filles Angustias (Michèle Gurtner), Magdalena (Elsa Bouchain), Martirio, (Emmanuelle Lafon), Amelia ((Céline Fuhrer), Adela (Helena de Laurens), toutes bien différentes les unes des autres dans leur singularité, et elle déclare huit années de deuil pour toutes. Seule l’aînée riche héritière de son père, Angustias, échappe à la règle matriarcale et a blanc-seing pour convoler avec un homme du village, qu’elle aperçoit dans les entrebâillements de porte, Pepe el Romano, semant la convoitise parmi ses soeurs. Devant leur mère les filles filent doux, derrière c’est une tout autre question et si Amelia et Martirio sont relativement complices, Adela et Martirio sont plutôt antagonistes. On est au cœur des rapports hommes-femmes dans la société patriarcale espagnole des années 1930, chargée du poids du deuil et des traditions, mais malgré l’autoritarisme de Bernarda quand les cœurs s’enflamment le système se dérègle et les esprits s’échauffent.

La Maison de Bernarda Alba est aussi une métaphore du monde. Ragots et jalousies y vont bon train tandis que la Poncia virevolte inventant quelques traquenards. Et le ton monte, alors que le portrait du grand-père a disparu et que la grand-mère, María Josefa (Laurence Roy) délire. Le matriarcat que reproduit Bernarda dans une théâtralité mesurée ne tombe pas ici dans la caricature, elle en serait presque, sous certains angles, touchante, Charlotte Clamens l’interprète avec pondération. La pièce est traversée de belles scènes comme celle où les cinq filles alignées face public cousent et brodent, préparant un vraisemblable trousseau ; une autre est celle du repas, toute la famille est alignées en fond de scène autour de la grande table rectangulaire. Une belle énergie plane et chacune des filles, toutes recluses qu’elles sont, réussissent à exister, oscillant entre humour et mélancolie, jusqu’au coup de griffe finale et la bataille rangée qui mène au drame et à la mort de la benjamine, Adela, la plus jeune et la plus rebelle, éprise de Pepe el Romano qui ne lui était pas destiné.

Loin d’être suspendue aux desiderata de Bernarda et au huis-clos qu’elle impose, La Maison de Bernarda Alba vit dans un rythme vif donné par les courtes répliques de la traduction et le jeu d’actrices pleines de vie et qui n’en pensent pas moins. Thibaud Croisy dirige l’ensemble de main de maître dans un mélange des genres où il évite la simplification de l’imagerie andalouse en même temps qu’il nous plonge dans les rapports patriarcaux matriarcaux castrateurs mais construit plus de complexité dans l’épaisseur qu’il donne aux personnages, brouillant les frontières entre l’intérieur et l’extérieur. Le metteur en scène a de nombreuses cordes à son arc, il traduit, écrit, publie, met en scène et filme, mène aussi des ateliers à destination d’amateurs, d’étudiants et de professionnels. Sa mise en scène est une belle gageure.

Brigitte Rémer, le 15 avril 2026

Avec : Elsa Bouchain, Magdalena – Charlotte Clamens, Bernarda – Céline Fuhrer, Amelia – Michèle Gurtner, Angustias – Emmanuelle Lafon, Martirio – Helena de Laurens, Adela – Frédéric Leidgens, la Poncia – Lucie Rouxel, la Servante – Laurence Roy, María Josefa – Hélène Schwaller, Prudencia. Scénographie Sallahdyn Khatir – lumières Caty Olive – costumes Angèle Micaux – son Manuel Coursin – collaboration artistique Élise Simonet – régie générale Thomas Cany ou Raphaël de Rosa – régie son Romain Vuillet ou Tom Balay – régie Plateau Maureen Cléret – production et diffusion Le Bureau des Écritures Contemporaines (Claire Nollez et Romain Courault) – Le spectacle a été créé le 4 mars 2026 à La Filature, Scène nationale de Mulhouse. La Maison de Bernarda Alba en sa nouvelle traduction est publiée chez L’Arche éditeur.

Du 9 au 17 avril 2026 – lundi, mercredi, jeudi et vendredi à 20h, samedi à 18h, dimanche à 16h, au T2G Théâtre de Gennevilliers Centre dramatique national, 41, avenue des Grésillons 92230 Gennevilliers – site : www.theatredegennevilliers.fr – tél. : 01 41 32 26 10.

En tournée : Du 13 au 17 octobre 2026, au Théâtre de la Cité internationale dans le cadre du Festival Transforme/Fondation d’entreprise Hermès – les 18 et 19 novembre 2026, Le Quai, Centre dramatique national d’Angers – les 13 et 14 janvier 2027, La Comédie de Clermont-Ferrand, scène nationale, dans le cadre du Festival Transforme/Fondation d’entreprise Hermès – Semaine du 18 janvier 2027, Comédie de Béthune, centre dramatique national – le 27 janvier 2027, Bords de Scènes – Grand-Orly Seine Bièvre (Juvisy) – les 24 et 25 mars 2027, Le Phénix, scène nationale de Valenciennes.

Mami

Mise en scène et dramaturgie Mario Banushi – scénographie, costumes Sotiris Melanos – musique, son Jeph Vanger – lumière, dramaturge associé Stephanos Droussiotis – à l’Odéon-Théâtre de l’Europe / Ateliers Berthier.

Mario Banushi tourne autour de sa biographie pour élaborer ses spectacles. C’est la mort qu’il évoquait dans Goodbye Lindita présenté dans ce même Odéon-Berthier quelques jours auparavant (cf. notre article du 31 mars 2026). Il parle aujourd’hui de la vie et de la figure des mères, avec ses mêmes outils, le silence, la lumière, le nu, l’inventivité artisane, la cloche qui sonne, l’eau qui coule, le poème.

Sa mère était sage-femme en Albanie, le spectacle débute sur une scène d’accouchement où les cris de la parturiente déchire l’atmosphère dans une petite maison de bois perdue dans la campagne, où seul un réverbère donne vie. C’est sa grand-mère qui l’a élevé jusqu’à l’âge de treize ans, elle cuisinait et était au centre de la vie domestique. Sa mère l’emmène ensuite à Athènes où il grandit au-dessus de la boulangerie où elle travaille, entouré de femmes de toutes générations. Mario Banushi rend hommage à ces figures féminines qui l’ont accompagné au cours de sa vie.

Sur scène une vieille femme passe et se mélangent les générations, se construisent les rituels sociaux. Puis une jeune femme se déshabille au son de la clarinette, pénètre dans un tulle où un homme l’attend, épousailles bientôt troublées par un autre qui rôde et prend sa place. La jeune femme plonge la tête dans un bac rempli d’eau et reste plusieurs minutes en apnée, comme pour se supprimer. Elle répète trois fois son geste de plongée. La vieille dame la sèche, et plusieurs clairs de lune se succèdent. Le lait versé se mélange à l’eau et la trouble. Un chœur accompagne la séquence et emplit l’espace.

On ne peut qu’être contemplatifs face aux images qui se succèdent et au surnaturel qui plane. L’obscurité règne, les couples se font et se défont, deux hommes nus sont en lutte, l’un tente de noyer l’autre, la vieille femme le sauve et lui donne le sein. Un vélo passe. Des images de piéta se déclinent, entre Madonne et Mater dolorosa sur lumières rouges et au final bruits de tirs ou bien feux d’artifice.

@ Christophe Raynaud de Lage

Le langage scénique pluridisciplinaire que construit Mario Banushi nous fait traverser différents moments et sensations de sa vie. Il repose sur l’héritage émotionnel par les gestes et les visions qu’il fait émerger. Le récit qu’il fait de sa vie à travers les images proposées nous fait parvenir les couleurs et odeurs de la campagne albanaise, pauvre et sans artifice, en même temps qu’il est une porte ouverte sur l’intime et touche au rêve et au mystère. Comme une mélodie en sous-sol l’univers de Mario Banushi n’est pas sans rappeler le temps scellé d’Andreï Tarkovski, qui écrivait : « Si longtemps a-t-on essayé de me convaincre que mes films ne servaient à rien ni à personne, qu’ils étaient incompréhensibles, que ces aveux-là me réchauffaient le cœur, donnaient un sens à mon activité artistique, et confirmaient mon idée que le chemin emprunté ne l’avait pas été par hasard ni en vain… » L’image, chez Mario Banushi, sous-tend une portée philosophique profonde, comme chez Tarkovski. Au sujet de son film, Le Miroir, le réalisateur disait : « Ce film, il faut tout simplement le regarder… Il faut le regarder comme on regarde les étoiles, la mer, ou comme on admire un paysage. C’est que la logique mathématique n’y trouve pas sa place ; elle ne nous expliquera pas ce qu’est l’homme, et quel est le sens de la vie. »

Mario Banushi explore l’invisible et superpose les temps de sa mémoire. Les âges s’effacent dans l’étrangeté des personnages qui arrivent et repartent comme des notes de musique sur une portée musicale, laissant leur empreinte dans une vision fragmentée du temps. Dans son travail l’image transgresse les limites du langage et tord le réel pour mener au plus profond du spirituel et de l’intime.

Brigitte Rémer, le 21 avril 2026

Avec : Vasiliki Driva, Dimitris Lagos, Eftychia Stefanou, Angeliki Stellatou, Fotis Stratigos, Panagiota Υiagli – collaborateurs artistiques Aimilios Arapoglou, Thanasis Deligiannis – assistanat à la mise en scène Theodora Patiti – collaboration : Marietta Pavlaki, Kostas Chaidos, Sofia Theodorou, Nikoleta Anastasiadou

Du 9 au 16 avril 2026 à 20h sauf lundi, Odéon – Théâtre de l’Europe / Ateliers Berthier, 1, rue André Suarès. 75017. Paris – métro : Porte de Clichy – site : www.theatre-odeon.eu +33 1 44 85 40 40 – site : www.theatre-odeon.eu

Un Terrier

Solo à voix nue – mise en scène, écriture, composition musicale, jeu Anne Leterrier – co-mise en scène Diane Vaicle – Accompagnement à la création Mickaël Délis, Michel Bruzat, Sylvain Maurice – au Théâtre La Reine Blanche, Paris.

Une voix audio introduit le sujet et nous place au cœur du récit, écrit et porté par Anne Leterrier, à partir de son histoire de vie : « être adopté n’est pas une chose banale » entend-on. Elle est assise dans le public, puis rejoint la scène et lance un chant.

Mon histoire commence par un prénom composé : Anne-Caroline Laurence, celui qu’ils donnent aux bébés nés sous « x ». Pupille de la Nation elle est adoptée à l’âge de trois mois par une famille qui ne pouvait pas avoir d’enfant malgré plusieurs tentatives de fécondation in vitro. La communication que reçoit un jour Mme Leterrier et qui la remplit de joie annonce qu’une petite fille les attend. C’est Anne, « nos regards se sont croisés, le courant est passé » dit-elle. Ce regard échangé à scellé son destin à celui de sa famille adoptive, heureuse d’accueillir cette petite fille.

Anne déballe une paire de petits chaussons avec émotion et quelques objets de sa petite enfance. Elle sait depuis toujours qu’elle a été adoptée et une question la taraude : « qui s’est occupé de moi les trois premiers mois de ma vie ? ». Elle sait aussi qu’un jour elle aura envie de savoir qui est sa mère biologique et de comprendre pourquoi cet accouchement sous x, qui la prive de son identité. « Il me manque les premières pages du livre de ma vie » dit-elle. Cette mère, Khadija, avait écrit une lettre avant qu’elle n’ait trois mois, lettre qui se trouve dans son dossier. Le Conseil National pour l’Accès aux Origines Personnelles la guide dans ses démarches. Elle en donne lecture et prend connaissance de ses origines puis offre au public un thé à la menthe pour que chacun(e) reprenne souffle avant de partager son histoire.

Son père, José, portugais, a vingt-neuf ans et sa mère seize. Une courte histoire les lie et Khadija tombe enceinte. Sa mère l’oblige à accoucher sous x. Naît un beau bébé aux mensurations parfaites : 3,810 kilos, cinquante et un centimètres, un 1^er décembre 1990. « Je suis ce bébé volé » dit Anne Leterrier. Khadija perd la parole et se terre dans le mutisme avant de fuir sa famille. Elle aura d’ailleurs tout subi dans l’enfance, agressions sexuelles et inceste. Elle se marie, a deux enfants puis deux jumeaux, divorce en 2008.

La suite se dessine au fil du courrier échangé de 2013 à 2016 entre Anne et sa mère biologique. Les lettres sont remises à des spectateurs qui acceptent de les lire. Puis d’un commun accord une rencontre s’organise entre mère et fille. Rendez-vous est pris à la Fête des Lumières de Lyon, un 10 décembre 2016. « Est-ce que je vais lui plaire » se demande Anne, « J’ai brodé ma chemise. Je dévisage les femmes. Une femme fonce dans ma direction. Elle parle fort. Je l’observe ». Khadija n’est pas seule, elle est accompagnée de sa fille de dix ans, d’une voisine et son mari, de son frère avec deux cousins, de quatre enfants. Bref Anne fait face à onze inconnus.

Deux ans plus tard c’est à Marseille qu’elle se rend chez Khadija, dans une grande barre d’immeubles. Elle apprend quelques mots d’arabe. Dans un cadre photos où se trouvent le visage de quatre enfants, reste une cinquième place, la sienne. Dans les discussions qui s’ensuivent s’installe le fossé des différences : se marier ou pas, avoir des enfants ou pas, qui on aime qui on n’aime pas. Le fossé se creuse. Deux ans s’écoulent puis Anne envoie une lettre qui dit sa vie, homosexuelle, militante, musicienne, reprise par un coup de fil qui mesure les limites de leurs retrouvailles réparatrices.

Derrière les silences, Anne Leterrier repose la question de l’inné et de l’acquis et plonge dans la fascination des origines et la recherche de ses identités. Elle écrit sa vie et la porte en témoignage avec sensibilité, humour et émotion. De son Terrier, Anne Leterrier observe. On entre dans l’intimité de la conteuse avec empathie, témoins d’un parcours qu’elle a su compléter pour s’apaiser, enfant désirée par des parents adoptifs qui l’ont aidée à devenir ce qu’elle est, une femme a priori heureuse et libre malgré le traumatisme de l’abandon. Une grande humanité circule dans ce partage complice avec le public, et, derrière l’absence et les questionnements sur l’absence suivis de la confirmation des différences culturelles, l’amour reçu dans sa famille d’adoption, un cadeau. Le chant ponctue certains moments du spectacle, petits moments de grâce.

Brigitte Rémer le 20 avril 2026

Accompagnement à la création : Mickaël Délis, Michel Bruzat, Sylvain Maurice – création musicale Anne Leterrier – régie son Erwan Morisse – choeur et soutien de coeur : Estelle Meyer, Anna Jouan, Bele Bopp, Diane Vaicle, Dorothée Leclair, Lauranne Callet, Marine Lombard, Coralie Borghi, Camille Derijard.

Du 7 au 29 avril 2026, les mardis et mercredis 21h, Théâtre La Reine Blanche – 2 bis Passage Ruelle, 75018 Paris – métro la Chapelle et Marx Dormoy – site : www.reineblanche.com – tél. : 01 42 05 47 31 – le 10 décembre 2026 à La Camillienne, avec Enfance Famille et adoption, Paris 12^e.

80e Festival d’Avignon, du 4 au 25 juillet 2026

L’équipe du Festival d’Avignon autour de son directeur Tiago Rodrigues a présenté la 80^e édition du Festival d’Avignon le 8 avril à La FabricA d’Avignon, le 9 avril au Théâtre du Rond-Point, à Paris.

Le Festival se fédère cette année autour de la fête des questions, loin de toute certitude car le débat est signe de démocratie. C’est le défi lancé par le directeur : faire que la création artistique pose des questions complexes, qui parfois, ne se résolvent pas. Le Festival se fermera autour de ces questions qui seront listées et lancées par les artistes dans la Cour d’Honneur du Palais des Papes « comme une porte ouverte sur l’avenir » dit-il.

Après l’anglais et l’espagnol, après l’arabe dans l’édition dernière, la langue invitée est cette année le coréen avec son alphabet inventé au XVe siècle à la demande du roi Sejong pour lutter contre l’analphabétisme. Le théâtre et la danse de Corée, avec l’interprétation contemporaine des traditions anciennes, les films documentaires et de fiction, la littérature – en la présence de la romancière Han Kang Prix Nobel de littérature en 2024 – la gastronomie, seront à l’affiche.

C. Aubry et T. Rodrigues © Christophe Raynaud de Lage

Le programme Transmission impossible en sa troisième édition, réalisée avec le partenariat de la Fondation Hermès, accueille la chorégraphe Lia Rodrigues qui succède à Mathilde Monnier. Ce programme rassemble des jeunes boursiers venant du monde entier qui seront rejoints par des élèves de l’école et du centre d’art qu’elle dirige dans la favela de Maré, à Rio de Janeiro. Une cinquantaine de jeunes participeront à ce programme qui fait figure de laboratoire.

Première fois est un programme qui accompagne depuis plusieurs années les primo-spectateurs et se trouve en pleine expansion, il accueille de nombreux jeunes. Une réflexion est en cours pour imaginer comment maîtriser son succès sans en empêcher le développement. Le Festival d’Avignon c’est pour le public chaque année une aventure et la programmation permet la découverte d’artistes et l’émergence de nouveaux récits. C’est l’affirmation de la liberté de création. Le Festival est aussi une plateforme de rencontres et de confrontation des idées dans le cadre des Matinales où les acteurs et metteurs en scène programmés présentent leur travail ; des Conversations avec des intellectuels de référence ; un Café des idées, espace de partage autour de débats, conférences, ateliers et émissions ; Making Waves donne les micros à la jeunesse et réalise une série d’émissions.

Conférence de presse © Christophe Raynaud de Lage

Le Festival d’Avignon – qui a nommé Clémentine Aubry comme directrice déléguée auprès de Tiago Rodrigues – c’est une multitude de propositions en termes de projections, avec les Territoires cinématographiques dans les cinémas Utopia de la ville et un Retour sur images avec Arte puisant dans les archives ; ce sont des cycles de lectures, des rencontres professionnelles et de nombreuses collaborations avec les institutions locales. Beaucoup de partenaires et de mécènes l’accompagnent et permettent son développement.

47 spectacles seront présentés cette année dans 40 lieux intra et extramuros, dont 20 créations et 2 expositions. Plus de 20% de la programmation est dédiée à la Corée du Sud et plus de 30 événements tous formats confondus sont à l’affiche. Informations programmation sur le site : www.festival-avignon.com

Brigitte Rémer le 15 avril 2026

La billetterie en ligne ouvre le 18 avril 2026, de nouvelles places seront proposées chaque mercredi. Par téléphone et au guichet à partir du 20 juin, Cloître Saint-Louis, 20 rue du Portail Boquier, Avignon – tél. : +33(0) 4 90 14 14 14 – à partir du 27 juin, boutique du Festival, Place de l’Horloge.

Théâtre Les Doms – Festival Avignon Off

Conférence de presse à l’invitation de la Délégation générale Wallonie-Bruxelles à Paris pour annoncer la programmation du Théâtre Les Doms dans le cadre du Festival Avignon Off 2026.

Affiche, dessinée par Maurine Larcher

Fondé en 2002 par Philippe Grombeer, le Théâtre Les Doms contribue au rayonnement d’artistes, de créations et de projets artistiques issus de la Fédération Wallonie-Bruxelles par la promotion des œuvres et des artistes. Sandrine Bergot le dirige depuis deux ans avec rigueur et fantaisie.

Véritable pont entre la Belgique et la France, il s’est imposé au fil des ans comme une vitrine incontournable de la création belge francophone pendant le Festival d’Avignon, accompagne les artistes tout au long de l’année dans le développement de leurs projets en leur offrant un espace de travail, une équipe à l’écoute et un soutien financier adapté. Ainsi en 2026 il a accueilli en ses trois studios des artistes en résidence, réalisé un Focus Jeune Public et un Focus Francophonie. Son festival Fusée Francophonie, rendez-vous des programmateurs-programmatrices du spectacle jeune public francophone se prépare pour octobre. Il est le Pôle-Sud de la création en Belgique francophone.

Seront ainsi présentés au Théâtre Les Doms 8 spectacles : Les enfants de la Vallée par les Ateliers de la Colline (10h30) – Le silence de Claire Lagrange, Compagnie de la Bête Noire (12h30) – Pépée, une histoire sans chute, par Josépha Sibni et Laurène Hurst (14h30) – Opéra Punk, par Brut Movement (16h) – Exhibit A, par SihamHaddioui (17h) – Pour l’expansion des possibles dans ma sexualité, par Club PEPS (18h30) – Rumba, de David Murgia et Ascanio Celestini (19h45) – Ce que le ventre dit, avec Lisette Lombé et Marc Nammour (22h15).

Un spectacle de danse sera aux Hivernales, partenaire historique des Doms, T’façon on est en 2012 de Lorraine Dambermont, à 21h) et un spectacle chez deux nouveaux partenaires : un spectacle jeune public au Totem, scène conventionnée d’intérêt national Art/Enfance/Jeunesse (La Caravane des Mûchettes, de Aline Mahaux, à 11h20 et 16h20) et une représentation des arts de la rue au Festival Villeneuve en Scène (Au coin de ma rue, compagnie des Bonimenteurs, à 18h, 19h et 20h). Trois spectacles seront présentés en avant-première à Paris avant Avignon et huit spectacles au Théâtre Les Doms, les 2 et 3 juillet 2026 *.

Les Doms ce sont aussi des rendez-vous quotidiens, animés par Émile Lansman avec les artistes de la sélection (11 compagnies accueillies sur 140 dossiers reçus), des brunchs avec la Société des Auteurs et Compositeurs Dramatiques ; un parcours autour des Invisibles avec notamment David Murgia (Rumba), Mathias Simons (Les enfants de la Vallée) et Mehdy Khachachi lauréat 2026 du Prix Jo Dekmine, créé en 2017 par les Doms, en hommage au fondateur du Théâtre 140 et cofondateur des Halles de Schaerbeek, à Bruxelles.

Maurine Larcher, auteure et dessinatrice de l’affiche du Festival exposera dans le Jardin, la rue est son terrain d’observation. Et l’équipe belge aux manettes du bar-restaurant, Virginie Bol et Philippe Goffart, accueillera les publics jusqu’à 1h du matin, organisera les fêtes des mardis 14 juillet et 21 juillet fête nationale belge et proposera les produits de saison et la bière Lupulus, entre l’eau claire et le pastis. Au plaisir de vous retrouver aux Doms cet été !

Brigitte Rémer, le 15 avril 2026

Conférence de presse du jeudi 9 avril 2026 à 9h30, Délégation générale Wallonie-Bruxelles à Paris, 274, Boulevard Saint-Germain. 75007, métro Invalides ou Assemblée Nationale – Théâtre Les Doms, 1 bis rue des Escaliers Sainte-Anne, 84000. Avignon – tél. : +33 [0]4 90 14 07 99 – Site : lesdoms.eu.

*Avant-premières : Maison de la Poésie, Paris, le 22 avril 2026 à 21h, Ce que le ventre dit, avec Lisette Lombé, slameuse et Marc Nammour, rappeur – Rencontres Chorégraphiques Internationales de Seine-Saint-Denis, Le 26 mai à 21h à la Chaufferie avec T’façon on est en 2012 qui sera présenté aux Hivernales du 9 au 21 juillet – Au coin de ma rue présenté par la compagnie Les Bonimenteurs, dans le cadre du Festival Onze bouge (Paris 11^ème), les 30 et 31 mai, programmé à Villeneuve-en-scène du 10 au 20 juillet.

Alif

Texte et mise en scène Abdelwaheb Sefsaf – composition musicale Georges Baux, Abdelwaheb Sefsaf, musicien Aliocha Regnard, actrice Adila Bendimerad – au Théâtre de Sartrouville et des Yvelines / Centre dramatique national.

Deux gradins en demi-cercle sont au chœur de la scénographie, sur lesquels sont dispersés des livres et de petites lampes de chevet. Une plateforme tournante est placée au centre. À l’arrière-scène le dessin d’un arbre en relief et de chaque côté, en hauteur, comme un tableau noir qui fera fonction d’écran où des images commenteront, de loin en loin, l’action, un dispositif réalisé par Souad Sefsaf, bien pensé, et qui sert le propos, éclairé par Nino Valette.

Huit spectateurs font office d’acteurs et prennent place dans les gradins, ils ont été approchés avant d’entrer dans la salle, le protocole est ainsi rapidement mis en place. À leur attention, le livre posé est une conduite du spectacle. Il porte le nom du rôle qu’ils sont invités à interpréter, donc à lire le temps venu : Madame Bazet la directrice d’école, Mokhtar, Djamel, Mohamed, Rachida, une surveillante qui sera aussi Gladys, Farid et Rimou. On est dans la campagne de Kabylie dans les années 50-60, chaque rôle est appelé et chacun prend place.

Et commence l’histoire, racontée par Abdelwaheb Sefsaf, son histoire. « En 1981 j’ai 11 ans, ma mère, s’appelle Lamia. « Dans les années 50/60, la campagne de Kabylie est rude. Très rude. Les hivers sont très froids. Y’a pas d’électricité. Pas d’eau courante. Faut descendre dans la vallée à dos d’âne. Ça prend des plombes. Et en hiver, l’eau est gelée… » La lumière bascule et on se trouve dans la salle de classe d’un lycée expérimental en France, décorée de calligraphies et affichant une grande photo de l’Alhambra. Le départ pour l’Algérie se prépare pour la fin juin, mais les bateaux sont pleins et il faut rogner quelques jours sur l’année scolaire, au grand dam de la directrice.

Lamia est née en 1942, dans une Algérie française où la scolarisation des Algériens n’est pas une priorité, elle n’a jamais appris à lire et à écrire. Avant 1830, en Algérie, l’arabe était partout, avec la colonisation il fut interdit. Le narrateur s’arrête un temps autour de la langue arabe, « langue du savoir, du droit, de la foi, de la mémoire, la colonne vertébrale d’un peuple » et il rappelle l’interdiction de son utilisation à partir de 1883. L’arabe devient donc langue étrangère en Algérie où l’Algérien n’apprend que le français et l’histoire de France. Il perd l’écriture arabe et ne s’exprime qu’en dialectal. Et quand arrive l’Indépendance, en 1962, « on demande à un peuple de réapprendre sa langue et sa pensée » car « quand on essaie de faire taire une langue, elle ne disparaît pas, elle attend. »

Cette année, Abdelwaheb entre en sixième au collège expérimental Jules Vallès, dans la banlieue de Saint-Étienne où on tutoie les profs, où se mélangent les niveaux et où l’arabe est enseigné en première langue. Il est beau comme un sou neuf. Sur des images du quartier projetées sur les écrans (création vidéo Raphaëlle Bruyas) on entend fuser les conversations entre gamins : ta mère elle est ci, ta mère elle est ça… « Arrive Anne-Marie notre prof d’arabe et là toutes les certitudes basculent. » La pièce se construit autour de la jeune femme, qu’interprète Adila Bendimerad, et de sa pédagogie active. C’est là qu’une nouvelle vie commence… Elle demande aux enfants d’apporter un secret, quelque chose qui les touche à partager avec la classe, propose d’écrire une poésie, de raconter un héros ou une héroïne de son pays. Elle est calme et précise, et avec elle ils apprennent la douceur. On entre dans l’alphabet arabe avec la première lettre le Alif ٱلْأَلِف et Anne-Marie danse le Alif dans toutes ses vibrations. La musique l’accompagne.

Ils apprennent aussi que la guerre entre frères ne fait pas Nation et que l’exil est « la terre du rêve » selon le grand poète palestinien Mahmoud Darwich. Les enfants apprennent leur pays par la langue et les chansons et quand ils questionnent leur professeure sur son départ du Liban elle répond : « J’ai emporté la langue et mes livres. » Elle se présente comme chrétienne maronite quand on le lui demande, dans un pays où cohabitent de nombreuses communautés. Les chansons se font entendre sur scène au fil du spectacle, interprétées par Abdelwaheb Sefsaf accompagné du talentueux musicien Aliocha Regnard, violoniste de formation spécialisé dans les musiques improvisées et jouant du nyckelharpa un instrument à archet sur lequel la main gauche détermine la hauteur des notes par un clavier muni de touches. La composition musicale est signée Georges Baux. Les chansons emblématiques du Monde Arabe sont reprises, celles des chanteurs et chanteuses adorés de toute la région Maghreb Moyen-Orient : Oum Kulthum, Mohamed Abdelwaheb, Farid El-Atrache et Asmahan sa sœur, morte très jeune, Warda, la Libanaise Fairouz, et d’autres. Le public chante avec.

Passe un orgue de barbarie, s’affichent les cartes géographiques des déchirements territoriaux, la professeure compare le Liban à l’Irlande dans sa division. Elle explique l’histoire, la colonisation et ne craint pas de répondre aux questions des enfants à travers son expérience. La poésie est son moteur, d’Imrou El-Qays, le roi errant au VIème siècle à Mahmoud Darwich et sa Chronique de la tristesse ordinaire. La parole se libère chez les élèves, en confiance avec leur professeure. L’un raconte le mariage arrangé de sa cousine, à quinze ans, l’autre, la découverte de cadavres dans la décharge publique. On sourit des vélos raccommodés où on freine avec les pieds ou avec la prière.

Dans le récit d’Abdelwaheb Sefsaf quatre ans ont passé dans l’apprentissage du pays auprès d’Anne-Marie, dans l’héritage colonial et la réalité sociale, dans les déchirements des guerres de la région et l’invisibilité des enfants nés de parents immigrés en France, et plus ou moins bien acceptés, avec l’Alif comme figure poétique dans la langue arabe. Avant de se séparer la professeure offre à l’élève ce qu’elle a de plus précieux, le livre emporté du Liban quand il a fallu quitter le pays Silence pour Gaza où Mahmoud Darwish parle de la résistance de la population de Gaza, dans les premières années de l’occupation (1967-1974). Le spectacle se termine sur Gaza où les oranges remplissent le ciel comme un espoir de vie.

Le texte d’Abdelwaheb Sefsaf – acteur, chanteur et directeur du Théâtre de Sartrouville – simple et poétique, parle sans détour de la mémoire collective à travers la mémoire familiale. Sa construction autour de l’idée de la classe est une belle idée pour faire entendre les fractures du monde, la langue confisquée et la beauté de la langue arabe celle des poètes, avec cet Alif première lettre de l’alphabet qu’il a fallu réapprendre. Adila Bendimerad est une professeure pleine d’humanité et de passion pour son pays et pour la langue, l’actrice porte magnifiquement le rôle. Les acteurs et les spectateurs-acteurs intégrés dans la dynamique de la représentation remplissent leur partition, illustrant la diversité. Alif est un spectacle-témoignage sur l’héritage culturel et les problématiques d’intégration, très bien réalisé. Il s’inscrit dans la suite de la biographie d’Abdelwaheb dont nous rapportions dans notre article du 29 décembre 2018 un des précédents épisodes, Si loin si proche vu à la Maison des Métallos à Paris.

Formé à l’École Supérieure d’Art Dramatique de Saint-Étienne, d’Abdelwaheb Sefsaf collabore au départ avec Daniel Benoin et Jacques Nichet, puis fonde en 1999 le groupe de musique Dezoriental, qui connaît un succès international. Il écrit et met en scène entre autres Malik le Magnifik, une quête de soi et de vérité qui s’adresse particulièrement à la jeunesse, et pour la Nuit Blanche à Paris en 2024, Kaldûn Requiem ou le pays invisible qui met en vis-à-vis trois révoltes, celle des Communards exilés à vie en plein Pacifique, celle des Berbères condamnés à une même déportation et celle des Kanaks en Nouvelle-Calédonie. L’artiste a beaucoup de cordes à son arc et mène des projets d’action culturelle d’envergure auprès des publics au Théâtre de Sartrouville qu’il dirige, mêlant écriture, théâtre, musique et vidéo.

Brigitte Rémer, le 16 avril 2026

Avec : Adila Bendimerad, Aliocha Regnard (musicien), Nathalie Royer, Abdelwaheb Sefsaf, Souad Sefsaf – dramaturgie : Nathalie Royer – Musique additionnelle enregistrée Léa Maquart, Artyom Minasyan et Antony Gatta – scénographie Souad Sefsaf – construction du décor Alain Deroo, Ivan Issael et Henri Meiffren – création vidéo Raphaëlle Bruyas – création lumière et régie vidéo Nino Valette – costumière Emmanuelle Thomas – ingénieur du son Jérôme Rio – stagiaire à la mise en scène Louna Philip.

Mardi 14 et mercredi 15 et vendredi 17 avril à 20h30 – jeudi 16 avril à 14h15 et 19h30, Théâtre de Sartrouville et des Yvelines / Centre dramatique national – place Jacques-Brel, 78500 Sartrouville – RER A : Sartrouville et bus 26 ou navette gratuite – tél. : 01 30 86 77 79 – site : www.theatre-sartrouville.com

In the brain

Shechter II, compagnie junior – chorégraphie et musique Hofesh Shechter – lumières Tom Visser – costumes Osnat Kelner – au Théâtre de la Ville / les Abbesses.

In the brain s’inspire d’une pièce plus courte, Cave, créée par Hofesh Shechter pour Martha Graham Company, le Studio Simkin et Sharing Space au City Center Dance Festival, à New York, en 2022, inspirée du monde de la nuit. Le chorégraphe garde l’énergie et l’idée de la fête comme expression populaire de la jeunesse qui se rassemble et s’exprime, l’approfondit et la développe jusqu’à la transe.

La Shechter II, compagnie junior, ce sont huit danseurs au talent confirmé, aux parcours et formations diverses, élus parmi mille deux cents candidats, qui se forment pendant trois mois auprès de Hofesh Shechter avant de partir pour neuf mois de tournée. La troupe se renouvelle tous les deux ans. Dans In the brain les danseurs font communauté, se connectent les uns aux autres et créent leurs rituels, la musique les porte et les transcende et propose aux spectateurs une expérience sensorielle. De l’énergie circule sur le plateau et passe des danseurs aux spectateurs.

In the brain part du collectif pour aller vers l’individuel, du vent au vocal puis au rythme, de la pénombre au marquage de rayons au sol. On est dans le clair-obscur et quelque chose d’organique se dégage. L’énergie va crescendo au gré des variations de la lumière et du son et les solos dialoguent avec l’ensemble. Une chaîne se forme, se décompose, des groupes de trois puis quatre danseurs, se constituent tels des sculptures et sorte de caryatides.

Les lumières forment aussi un langage : après l’obscurité, les rayons projetés, une lumière blanche comme une fin du monde apparaît, qui vire au bleu et n’est pas sans évoquer le nucléaire. Une danse rituelle se met en place, un danseur s’avance au son des percussions, musique et danse montent jusqu’aux frontières de la transe. Le collectif se structure et se déstructure, quatre femmes apparaissent, suivies de deux hommes courbés, fantomatiques, puis de deux autres.

Il y a quelque chose de très expressif dans cette équipe Shechter II (Matilde Agostinone, Teige Bisnought, Nagga Baldina, Federica Fantuzi, Woojin Kwon, Armand Lassus, Skiye Nataliah, Ella Roberts). Ils sont le rythme même, le travail des bras est incessant, impressionnant. Ils s’assoient en demi-cercle, l’un danse, noir de peau, dans la dignité et l’énergie, jusqu’à l’épuisement, comme s’il portait tous les exils. Un second danseur prend le relais de cet exil, ensemble ils pleurent. Un chœur se meut dans une sorte de lamentation cérémonielle, de la solidarité circule. Puis la musique baisse, comme la lumière, le geste ralentit et se fait répétitif. Les danseurs invoquent le ciel, leurs mains sont papillons, ils se bouchent les oreilles et sortent, un à un. Un solo se poursuit tandis que la scène s’efface.

Hofesh Shechter, a débord travaillé au Royaume-Uni et fondé sa compagnie en 2008. À partir de 2010, il présente toutes ses œuvres au Théâtre de la Ville, à l’invitation d’Emmanuel Demarcy-Mota, son directeur. Il a également mis en scène et chorégraphié des pièces pour de grandes compagnies de danse internationales comme Alvin Ailey American Dance Theater, Batsheva Ensemble, Candoco Dance Company, Cedar Lake Contemporary Ballet, Nederlands Dans Theater 1, l’Opéra national de Paris, Royal Ballet et Royal Ballet Flanders, et travaillé comme chorégraphe pour le théâtre, la télévision et l’opéra. Hofesh Shechter est artiste associé au Sadler’s Wells et a été artiste en résidence auprès de Gauthier Dance de 2021 à 2023 et a reçu plusieurs prix. Il est aujourd’hui codirecteur avec Jann Gallois, Dominique Hervieu et Pierre Martinez, de l’Agora – Cité Internationale de la Danse, Montpellier Danse et du Centre Chorégraphique Occitanie.

Dans In the brain, les plis du cerveau, Hofesh Shechter célèbre l’énergie collective et élabore un rituel païen où la vie devient nuit et trépidations, rythmes et vibrations partagées.

Brigitte Rémer, le 14 avril 2026

Avec : Matilde Agostinone, Teige Bisnought, Nagga Baldina, Federica Fantuzi, Woojin Kwon, Armand Lassus, Skiye Nataliah, Ella Roberts. Direction artistique associée Bruno Guillore – collaboration son Frédéric Despierre – direction des répétitions pour la Shechter II Chien-Ming Chang et Yeji Kim – musique additionnelle CAVE par Hofesh Shechter et Âme (Kristian Beyer & Frank Wiedemann) avec l’aimable autorisation de Inner Visions – production Hofesh Shechter Company. commande Agora / Cité internationale de la Danse, Montpellier. En coproduction avec de nombreuses structures et avec le soutien de la Fondation BNP Paribas pour le développement de ses projets.

Du 1^er au 25 avril 2026, à 20h, samedi 4 et 18 avril à 15h et 20h, dimanche 12 et samedi 25 avril à 15h, Théâtre de la Ville-Les Abbesses, rue des Abbesses – métro Abbesses et Pigalle – site : www.theatredelaville-paris.com – tél. : 01 42 74 22 77 – In the brain sera présenté le mercredi 24 juin à 22h, dans l’Amphi d’O au Domaine d’O de Montpellier, dans le cadre du Festival Montpellier Danse, site : www.agora-citeinternationaledeladanse.com – tél. : 04 67 60 83 60

Danse ta classe

Avec les élèves de 4^ème du collège Jacques Prévert de Guingamp (Bretagne), et la danseuse chorégraphe qui les accompagne, Marion Lévy – au Théâtre de la ville-Sarah Bernhardt, Paris.

Les vingt élèves du collège Jacques Prévert, garçons et filles, s’échauffent, très tranquillement. Ils portent jeans, tee-shirt blanc et basket, chacun à sa manière. Ce joli titre, Danse ta classe, est inscrit sur le sol, avant que chaque jeune ne s’empare d’une lettre et la brandisse, avec fierté. Ils ont quitté leur collège Jacques Prévert de Guingamp, dans le département des Côtes-d’Armor, le matin même, avec quelques professeurs, français, éducation physique et sportive, histoire-géographie et la Principale du Collège. De chaque côté du plateau, côté cour comme côté jardin des chaises se font face où se posent certains jeunes entre les séquences.

La base du travail gestuel est étroitement mêlée au programme scolaire et aux enseignants et l’art s’infiltre dans le quotidien des élèves. Là est le côté passionnant de l’histoire. La clé de la réussite est ici l’investissement physique et moral du collège, les professeurs qui ont ouvert leur porte et cultivé avec leurs élèves et pour eux, le plaisir de l’apprentissage. La chorégraphe entre dans le cours et avec les élèves prend des chemins de traverses. Ensemble ils inventent la chorégraphie.

Commence leur abécédaire et dansent les matières d’une gestuelle inventée sur les accords du participe passé, les fractions et toutes chose qui, au départ, seraient plutôt ingrates à traverser. D comme lignes droites, les jeunes s’étendent au sol et dessinent de leur corps les chemins de la géométrie dans l’espace, forment les parallèles et les perpendiculaires, un carré, puis à l’intérieur un cercle, ils deviennent diagonales.

Tous se déplacent dans l’espace, marquant des stops et des silences, comme des soupirs. Les temps des verbes, les modes, les gestes sont offrandes. Impératif : Sors, Va… « J’appelle le présent ! » dit la première, « Je suis le présent ! » répond le second – « Je suis le passé composé ! Je suis venue » dit une autre. « L’imparfait ! pas de début ni de fin : je venais… » et passent les verbes, simples et composés, le passé simple et le plus-que-parfait. Le futur ! « Je ferai, je deviendrai… archéologue… ! » On s’accorde… Accordez-vous ! J’ai besoin d’un S ! Je suis un S » se répondent-ils en miroir. « Je suis le sujet : elle, qui se transforme en pronom. » Ces adolescents rythment magnifiquement ce qu’on appelle matières scolaires et qui devient plaisir d’être et plaisir d’apprendre. Dans l’ombre, Marion Lévy est au pupitre et, en écho aux mots portés, lance la musique.

Classe de maths © Marion Lévy

Tout est mémorisé et les enchaînements se font de manière souple et avec intensité. Le geste artistique de l’Ensemble se poursuit dans la physique et les circuits électriques : avec le conducteur du + vers le -, avec les prises de connexion, suivi du moteur, en chœur : « Ça marche… Ça marche pas… » une voix solo lance « Je suis l’isolement » l’écho répond « Ça marche plus ! » Ils et elles dialoguent et habitent l’espace avec simplicité, précision et détermination. On traverse les chiffres et les fractions : « De trois nombres négatifs le plus grand est… ? De trois nombres positifs le plus grand est… ? » Des gestes solos aux mouvements d’ensemble, en anglais on compare : « I’m smaller but I’m faster ! » En Sciences et Vie de la Terre on parle de fossiles, des sédiments et de l’érosion : « Je suis l’eau… Je suis le vent… Je suis le temps qui passe. » Chacun chacune se présente et devient eau, devient vent… Le corps est terrain d’observation : mains, mains/genoux, pieds. Le toucher qui signale, autant de thèmes qui s’illustrent sur la scène.

Une incursion en histoire-géographie nous mène ensuite dans l’Empire Romain d’Occident, puis d’Orient, dans les trois religions monothéistes présentes à Jérusalem, dans les schismes, les croisades et les grands seigneurs, pour une conclusion qui fait du bien à entendre : « On peut vivre en paix. » Un enregistrement des jeunes participants au travail chorégraphique engagé avec la classe permet de comprendre à quel point le plaisir de l’apprentissage est une clé de réussite : « C’est plus simple pour retenir mes leçons, j’arrive mieux » dit l’une, « J’ai de meilleures notes » dit l’autre. « On a compris l’accord du participe passé en dansant » dit un troisième. Et tous disent à quel point l’ambiance de la classe est devenue positive, avec plus de mixité entre les garçons et les filles, plus de coopération entre tous.

C’est un très joli moment présenté par les élèves du collège Jacques Prévert de Guingamp dans la confiance donnée à la chorégraphe par l’encadrement et les professeurs. Un débat a suivi, en présence de plusieurs des professeur(e)s et de la Principale dans leur volonté de porter le projet. Une maîtresse de conférence observatrice réalise une recherche-évaluation sur trois années d’expérience dans ce champ dit de l’éducation artistique. Ici ce sont quatre classes de 4^ème qui ont rassemblé les jeunes souhaitant entrer dans l’aventure de ce temps collectif et qui s’inscrit dans la durée, comme le rappelle Marion Lévy.

Formée au Centre National de Danse Contemporaine d’Angers la danseuse et chorégraphe a participé aux travaux notamment de Claude Brumachon, Michelle-Anne de Mey et rencontré Philippe Découflé pour le défilé du Bicentenaire. Membre de la compagnie Rosas dirigée par Anne-Térésa de Keersmaeker, elle a sillonné le monde avec la compagnie, de 1989 à 1996. Elle a ensuite fondé sa compagnie, Didascalie, en 1997 et chorégraphié de nombreuses pièces puis créé le projet Rebond en 2020, lieu de résidence pour artistes en même temps que lieu de dialogue avec l’ensemble des habitants du territoire, dans une friche agricole à Pommerit-Le-Vicomte, village du département des Côtes d’Armor. Elle a signé de nombreuses chorégraphies dont en 2021-22, Et si tu danses, pièce très jeune public, commande du festival Odissey en Yvelines ainsi que Roméo, la symétrique masculine de Et Juliette qu’elle avait créée en 2015. Elle est chorégraphe associée au Théâtre de la Ville pour la saison prochaine.

Dans ta classe est un projet sensible et chargé de sens, une belle rencontre entre la chorégraphe et une équipe éducative déterminée, entre une chorégraphe et des élèves. Ensemble, au fil de plusieurs années, ils ont construit une démarche d’écoute et de mise en confiance qui a conduit à un spectacle où se mêlent plaisir d’apprendre, initiation et sens des apprentissages. Un très beau moment porté par le Théâtre de la Ville en relais avec Marion Lévy et le Collège de Guingamp.

Brigitte Rémer, le 12 avril 2026

En présence des élèves de 4e du collège Jacques Prévert de Guingamp, des enseignants : Mme Fauconnier (Français), M. Le Floc’h (Histoire-géographie), M.Perrier (EPS), et de Geneviève Roussel Principale du Collège.

Vu le jeudi 2 avril à 14h30 et 18h, Théâtre de la Ville-Sarah Bernhardt / La Coupole, 2 place du Châtelet, 75004. Paris – site : www.theatredelaville-paris.com – www.marionlevy.com –
www.college-jacques-prevert-guingamp.ac-rennes.fr

Montpellier, on y danse !

La réunion des énergies et des imaginaires se concrétise avec la La 46^ème édition du Festival Montpellier Danse – qui se déroulera du 20 juin au 4 juillet 2026 – pour à la fois garder l’esprit des lieux et tourner la page du fructueux travail réalisé de nombreuses années par Jean-Paul Montanari.

Les différentes structures chargées de la transmission et de la diffusion de la danse dans la ville de Montpellier – ville qui danse et qui laisse libre cours à la création – se sont rapprochées. Ainsi l’Agora, Cité internationale de la Danse, rassemble Montpellier Danse et le Centre chorégraphique National Occitanie dans une direction nouvelle faisant figure de prototype, et qui se compose d’un quatuor : Jann Gallois, Dominique Hervieu, Pierre Martinez et Hofesh Shechter. Le nouveau président est un homme de culture, d’information et de communication, Emmanuel Hoog, auparavant président-directeur général de l’Institut National de l’Audiovisuel, et de l’Agence France-Presse. Autant dire que le générique est riche.

Ensemble, l’équipe a annoncé le lancement de la 46^ème édition de Montpellier Danse, in-situ à Montpellier puis à Paris, Festival qui mettra la ville en fête du 20 juin au 4 juillet 2026. Montpellier Danse est soutenu principalement par Montpellier Métropole et Ville, la Région Occitanie, le ministère de la Culture et bénéficie du soutien de mécènes dont la Fondation BNP Paribas. De nombreux partenaires y participent.

In the brain, Hofesh Shechter © Todd MacDonald

En prélude au Festival, David Coria, figure majeure de l’avant-garde flamenca, présentera en création mondiale Babel Torre Viva les 11 et 12 juin, au Théâtre de la mer, à Sète, en partenariat avec le TMS et le Théâtre Molière Sète, scène nationale Archipel de Thau. Une semaine de danse dédiée aux pratiques amateurs Danse en amateur et répertoire en partenariat avec le Centre National de la Danse (CND de Pantin) suivra, ainsi qu’un symposium réunissant l’Université Paul-Valéry de Montpellier, le Bennington College situé au nord-est des États-Unis et L’Instituto del Teatro de Barcelone.

L’inauguration de Montpellier Danse se fera avec Histoires de danses, une vaste déambulation festive qui mettra en exergue les lieux de la danse dans la ville et les noms emblématiques qui ont traversé le Festival : Dominique Bagouet à travers un extrait de sa chorégraphie Jours étranges, interprétée par les élèves de la Cité des Arts, Le Saut de l’Ange et Dix Anges, réinventés in situ par Laurent Pichaud avec une partie des interprètes d’origine, Soapéra de Mathilde Monnier, 100% Polyester de Christian Rizzo. Fabrice Ramalingom dansera autour de l’esprit Dominique Bagouet et Trisha Brown, dont les œuvres ont marqué de nombreuses éditions du festival. Avec Histoires de danses la création contemporaine ne sera pas en reste : Salia Sanou présentera D’un lointain si proche, version augmentée de Si Loin si proche, où se croisent des artistes camerounais et français ; Hofesh Shechter présentera une variation autour de In the brain, actuellement en tournée dans sa belle énergie et qu’il reprendra en intégrale avec Shechter II au Domaine d’O, dirigera un stage international et échangera avec les artistes locaux ; Jann Gallois développera un solo extrait d’Impulsion ; Babx et Benjamin Chaval poseront leurs pas dans la mémoire des musiques de spectacles, emblématiques du Festival.

Cinq Jour au Soleil, d’Emanuel Gat © Julie Gat

Au cours de ce grand événement, Montpellier Danse 2026 met à l’affiche 59 représentations et 34 compagnies, internationales, régionales et nationales, représentant toutes les sensibilités de la danse. Pour n’en citer que quelques-uns : Dimitri Chamblas présentera en création mondiale deux solis : Ulysse et Marion, nés des conversations avec Ulysse Zangs, musicien, compositeur et danseur, et Marion Barbeau, danseuse et actrice, qui font remonter des souvenirs d’enfance ; dans son solo This is La mort, Zoé Lakhnati mêle toutes les personnes qui ont marqué son enfance ; Emmanuel Gat Dance présente au Corum Cinq jours au soleil sur la magnifique Symphonie n° 5 de Gustav Mahler ; Éric Minh Cuong Castaing, en collaboration avec Aloun Marchal et Marine Relinger présente Vision, un projet collaboratif avec des artistes mal-voyants et non-voyants ; Héla Fatoumi, en duo avec la danseuse tunisienne Sondos Belhassen présente Twama Paradise en création mondiale ; XY dans son écriture chorégraphique-acrobatique singulière présente Le Pas du monde ; Aurélien Bory, dans sa rencontre avec le musicien Thibaut Garcia et la danseuse Aure Wachter crée Sept larmes pour Elisabeth.

Imminentes, Jann Gallois © Pascale Cholette

La liste est longue des artistes présentant leurs travaux et réflexions dans cette ardente édition de Montpellier Danse, danseurs et chorégraphes connus, ou moins connus. On y trouvera aussi : Armin Hokmi avec Bazm (répertoire), Lisbeth Gruwez et Maarten Van Cauwenberghe Voetlok avec Tempest, et avec Wasco ! Abby Z and the new utility, avec Radioactive practice ; Olga de Soto dans Une introduction (revisitée) ; François Lamargot dans Pulse ; Efthimios Moschopoulos, de Grèce, avec Fáe ; le Ballet national de Marseille (La) Horde avec Après moi, le déluge ; Serge Aimé Coulibaly et Vieux Farka Touré avec Back to Kidal dans une coproduction du Burkina Faso et de la Belgique ; l’artiste italienne Chiara Bersani qui fait de son corps-handicap un espace de vie et de création dans L’Animale ; Josef Nadj nous emmènera dans ses Dialogues dans le rêve ; Katerina Andreou et Carte blanche, compagnie nationale de danse contemporaine de Norvège, présenteront How romantic.

En partenariat avec la ville de Montpellier, le collectif chorégraphique Mazelfreten invitera les Montpellierains place de l’Europe à un événement exceptionnel le vendredi 3 juillet, il leur racontera l’univers de la fête et de l’hypnose jusqu’au lâcher-prise, avec des extraits de Rave et de Lucid ; il sera le lendemain avec Hervé X au Domaine d’O pour un concert dans le cadre de Chaillot Expérience. Dans l’espace public Kader Attou et la Cellule d’excellence d’Epsedanse présentent Prélude (extrait) et Jann Gallois invite à In situ. Par ailleurs Les artistes du 46^e Festival, inviteront les publics à s’initier à la danse au cours de Grandes leçons de danse qui sont aussi des moments de convivialité et de partage. Parallèlement à l’action, la réflexion suivra son cours avec des rencontres professionnelles autour des enjeux de la société d’aujourd’hui en termes de diversité, démocratie et solidarité en Art, avec l’association des Centres chorégraphiques nationaux, l’Onda, le Syndeac, l’Aerowaves et le Bennington College.

How Romantic, Katerina Androu © Oystein Haara

Au-delà de la richesse de la programmation on notera sa pertinence dans le cadre du dialogue avec la ville de Montpellier et ses habitants, les différents lieux culturels de la ville dont le Domaine d’O, en coopération avec son projet , le lien avec les territoires d’Occitanie entre autres Sète. Par ailleurs l’Agora-Cité internationale de la Danse, ouvrira en septembre 2026 une nouvelle formation aux jeunes artistes chorégraphiques de tous styles, autodidactes qui n’ont pas bénéficié de formations académiques, Boost, en vue notamment de favoriser leur insertion dans le milieu professionnel de la danse. Elle propose par ailleurs l’unique formation en France de niveau master, le Master Exerce / Études chorégraphiques – Recherche et Représentation réalisé en partenariat avec l’Université Paul-Valéry de Montpellier. À Montpellier les projets culturels et artistiques de haut niveau foisonnent. Rendez-vous, à partir du 20 juin pour cette 46^ème édition du Montpellier Danse !

Brigitte Rémer, le 10 avril 2026

Festival Montpellier Danse, du 20 juin au 4 juillet 2026 : Agora-Cité internationale de la Danse, Montpellier Danse + Centre chorégraphique National Occitanie, 2 boulevard Louis Blanc. 34000. Montpellier – site : agora-citeinternationaledeladanse.com – tél. : 04 67 60 83 60. La billetterie est ouverte.

Bovary Madame

D’après Gustave Flaubert – texte, mise en scène Christophe Honoré – collaboration à la mise en scène Christèle Ortu – scénographie Thibaut Fack – au Théâtre de la Ville-Sarah Bernhardt.

La scénographie pourrait ressembler au cirque d’hiver avec une piste de terre en arc de cercle et des banquettes pour le public, étagées sur plusieurs niveaux. Une troupe de circassiens s’échauffe, entre agrès et numéros, sous l’autorité de Madame Loyale, maîtresse de la piste qui fait fonction de narratrice et présente les personnages : Charles Bovary, officier de santé (Jean-Charles Clichet), Emma, son épouse, (Ludivine Sagnier) née Rouault, fille d’un riche fermier et élevée dans un couvent, figée dans une robe immaculée évoquant une figurine pour carillon à musique. Son mariage avec Charles, le médecin de son père, fut pour elle comme une façon de quitter la campagne.

Perchée sur un trapèze, Emma se raconte : son lien à Charles, la nouvelle maison et la vie rapidement routinière, bientôt son mépris pour lui. Passionnée de lecture elle exprime son goût pour les romans à l’eau de rose qui nourrissent ses aspirations romantiques et son regard vers l’ailleurs. Le fil de l’histoire montre son parcours d’émancipation et d’espérances, depuis l’invitation au bal du marquis d’Andervilliers – qui lui transmet la folie des grandeurs – où l’on voit Charles, maladroit et en retrait, alors qu’Emma rêve de s’amuser, jusqu’aux amants de peu d’envergure et aux dettes qui s’accumuleront et qui la plongeront dans des états dépressifs.

Pensant lui faire du bien, Charles décide de déménager de Tostes vers un bourg plus animé, Yonville où elle rencontre les personnalités locales. Par l’acuité de son regard, acerbe à souhait, Flaubert brosse un tableau bien affûté de la vie de province. Il excelle dans le descriptif des personnages et l’intensité du détail : Léon le beau notaire, qui disparaît puis réapparaît (Davide Rao) ; Rodolphe Boulanger, libertin, propriétaire du château de la Huchette (Harrison Arévalo – ici et sur le thème du cirque, le lanceur de couteaux) ; Monsieur Homais, apothicaire et petit bourgeois ambitieux (Julien Honoré) chez qui, à la demande d’Emma, Justin se fournira en arsenic (Nathan Prieur) ; Monsieur Lheureux, boutiquier (Stéphane Roger), mari de la nourrice de Berthe, fille d’Emma et Charles, personnages interprétés par le chœur des circassiens qui, dans la version de Christophe Honoré, commente l’action par le geste surtout, et la satire.

Des images s’inscrivent sur le mur du fond, renforçant le récit, certaines étant filmées dans la coulisse du cirque où se réfugient les personnages (collaboration à la vidéo Jad Makki). Un micro, un piano, des jeux peu innocents, une sérénade au balcon, la caméra qui les traque, Emma chante. Chez le boutiquier Lheureux, elle laisse libre cours à des dépenses compulsives et quand il lui faudra rembourser les sommes astronomiques dues, Rodolphe et Léon, ses amants, ainsi que Charles, seront absents au générique. Les biens de la famille Bovary seront saisis, Emma se suicidera et Charles en mourra de chagrin. Leur fille, Berthe dont elle s’est à peine occupée sera placée chez une tante qui, faute d’argent, l’enverra travailler.

On assiste aux comices sur fond de Michel Sardou « Je vais t’aimer… » plus tard, Sylvie Vartan avec son tube « Par amour ou par pitié » et d’autres chanteurs de variétés. Le cercle des circassiens se transforme en fanfare. Charles est aux percussions et les vaches à l’écran. Emma est vêtue d’une magnifique robe prune (costumière Pascaline Chavanne, avec la participation de la Maison Yohji Yamamoto), une grande élégance. Puis on dérive vers l’intervention chirurgicale réalisée sur scène par Charles, plus charlatan que chirurgien, sur le pied-bot d’Hippolyte, garçon de salle à l’auberge du Lion d’or où Emma avait rencontré Léon qui y venait dîner. L’excès de la séquence avec fortes éclaboussures d’hémoglobine vire au grand guignol et à l’anomie la plus pure. Petit plaisir de metteur en scène mais rien d’indispensable.

Le spectacle nous fait suivre les variations des espoirs et désespoirs, des caprices et sentiments d’Emma. La trompette sonne comme un glas pour elle qui court d’aventures tournant court en expérience de violence, comme avec Rodolphe, qui la malmène. Chansons et musiques ponctuent le spectacle de manière ironique, ou narrative (régie son Janyves Coïc). Quand les choses se dégradent pour Emma, apparaît le thème du théâtre dans le théâtre, sorte de fil rouge aussi dans le spectacle. « Je ne jouerai pas la scène du fiacre ! » lance-t-elle, avant d’être poussée à l’intérieur de la diligence comme une poupée inanimée, placée sous le regard de tous, comme au cinéma. « Je suis la copie de moi-même… Je suis une ratée… » dit-elle dans ce jeu de miroir, quand Lheureux lui demande de payer sa dette et que rien ne se négocie plus avec personne. L’un des circassiens reprend le récit de sa vie puis Madame Loyale l’invite à rejoindre la troupe. Emma disparaît, Charles restant seul et en sanglot devant les images du début qui reviennent en boucle.

Flaubert commence le roman en 1851 et y travaille pendant cinq ans, jusqu’en 1856. D’octobre à décembre, le texte est publié dans La Revue de Paris sous forme de feuilleton, ce qui peut expliquer la succession de tableaux parfois un peu artificielle. En février 1857, le gérant de la revue, l’imprimeur et Gustave Flaubert sont jugés pour « outrage à la morale publique et religieuse et aux bonnes mœurs ». Flaubert sera acquitté, compte tenu de son réseau dans les milieux artistique et politique. La même année on juge aussi Charles Baudelaire qui doit répondre de bonne moralité devant le tribunal, pour ses Fleurs du mal.

Christophe Honoré aime le flamboyant et son parti-pris sur le cirque tient la route. Madame Loyale (Marlène Saldana), donne les règles de la maison avec brio et son équipe se déploie dans l’humour et la précision. La scénographie de Thibaut Fack est efficace et belle, elle permet la régulation des entrées et sorties et la gestion des déplacements, la loufoquerie du cirque et l’invention des espaces du village. Les lumières de Dominique Bruguière donnent du relief à l’ensemble. Les protagonistes, Emma Bovary (Ludivine Sagnier) et Charles Bovary (Jean-Charles Clichet) habitent leurs rôles avec talent, la première dans la dignité à travers les interdits d’une société patriarcale, le second dans celui, ingrat, du mari trompé. Chacun dessine les contours de son personnage, entre banalité et puissance émotionnelle.

Les images de Christophe Honoré, cinéaste ayant à son actif plus d’une dizaine de films empiètent parfois légèrement sur la scène qu’il connaît néanmoins bien pour avoir présenté Nouveau Roman en 2012, Les Idoles en 2018, Le côté de Guermantes de Marcel Proust en 2020, Le Ciel de Nantes en 2021, Les Doyens en 2023. Amoureux de littérature il est aussi écrivain et a beaucoup publié pour la jeunesse, s’intéresse au récit et excelle dans le romanesque. Bovary Madame en est une nouvelle preuve.

Brigitte Rémer, le 10 avril 2026

Avec : Harrison Arévalo, Rodolphe Boulanger – Jean-Charles Clichet, Charles Bovary – Julien Honoré, Monsieur Homais – Davide Rao Léon Dupuis – Stéphane Roger, Monsieur Lheureux – Ludivine Sagnier, Emma Bovary – Marlène Saldana Madame Loyale – pour les images filmées : Vincent Breton, L’aveugle – Nathan Prieur, Justin – Emilia Diacon, Emma Bovary enfant – Salomé Gaillard Berthe Bovary. Lumières Dominique Bruguière – costumière Pascaline Chavanne, avec la participation de la Maison Yohji Yamamoto – son Janyves Coïc et régie son avec Philippe de Rham, en alternance – collaboration à la vidéo Jad Makki – renfort tournage : Léolo Victor-Pujebet, Mathieu Morel, Augustin Losserand, Marc Vaudroz. Le texte est publié aux Solitaires intempestifs.

Du 20 mars au 16 avril 2026, à 20h, le dimanche à 17h, Théâtre de la Ville-Sarah Bernhardt, 2 place du Châtelet. 75004. Paris – métro : Châtelet – site : www.theatredelaville-paris.com – tél. : 01 42 74 22 77

Vudú (3318) Blixen

Texte, mise en scène, scénographie, costumes Angélica Liddell – lumière Javier Ruiz de Alegría – son Antonio Navarro – dresseurs d’oiseaux Tristan Plot, Simon Thuriet – spectacle en espagnol, surtitré en français et en anglais – à l’Odéon/Théâtre de l’Europe.

On connaît Angélica Liddell dans la provocation et les extrêmes, elle avait présenté à l’Odéon/Théâtre de l’Europe en 2022 son spectacle Liebestod – qui signifie littéralement mort d’amour, titre en référence à l’opéra de Wagner, Tristan et Isolde. Elle prenait la corrida pour métaphore. En 2024 ce fut Dämon/les funérailles de Bergman, créé pour le Festival d’Avignon et repris à l’Odéon en octobre (cf. notre article du 14 octobre 2024).

Vudú, (3318) Blixen, qu’elle présente aujourd’hui, est le premier volet de « La Trilogie des funérailles » dont Dämon est le second, et Seppuku/les funérailles de Mishima, le troisième. La performeuse y met en scène ses propres funérailles dans la dernière partie du spectacle, qui se déroule dans la chambre rouge du film de Bergman Cris et Chuchotements, introduisant Dämon.

Le spectacle est en cinq parties comprenant deux suspensions-respirations de cinq minutes et deux pauses de quinze. D’une durée de 5h50 il s’inspire de l’auteure suédoise Karen Blixen (1995-1962) baronne Blixen, qui écrivait depuis l’âge de dix-neuf ans sous différents pseudonymes, donc Isak Dinesen dans les pays anglo-saxons, Tania Blixen et Osceola. On la connaît surtout pour son récit La Ferme africaine dont Sydney Pollack a tiré le film Out of Africa, oscarisé, en 1985, et pour Anecdotes du destin à partir duquel le réalisateur Gabriel Axel a réalisé le film Le Festin de Babette, en 1987. Comme Karen Blixen – dans ses noces avec l’Afrique où elle passe plus d’une quinzaine d’années, au Kenya – dans son rapport au magique et sa supplique au diable pour qu’il lui accorde le don de l’écriture, lui permettant de transformer en histoire tout ce qu’elle vivrait et expérimenterait, Angélica Liddell contracte à son tour, dans Vudú, un pacte avec le diable au même titre d’exorcisme.

L’anathème qu’elle adresse à l’amant qui l’a laissée sur le carreau est sans appel. Elle célèbre avec lui ses noces en enfer, et comme « l’enfer c’est les autres » lui jette à la figure tous les reproches accumulés, dans une grande violence. Se superposent le monde de Blixen à celui de Liddell qui, à un carrefour de vie, crache son venin et son chagrin sur celui qui signe une trahison amoureuse des plus destructrices. Elle lance ses imprécations des ténèbres jusqu’à bout de souffle, jusqu’à la dépossession et la mort. « Le seul but de l’amour sera le combat » énonce-t-elle. Elle monte sur scène en combattante et fait tourner dans sa centrifugeuse personnelle toutes les invectives et blessures du monde, un grigri à la main, distribuant les mauvais sorts et tentant d’émerger, derrière sa logorrhée qu’elle distille à vitesse grand V dans la première partie du spectacle.

Dans sa construction dramaturgique la référence à ses parents revient de manière récurrente : « Il a fallu que mon père meurt, que ma mère meurt, que mon espoir meurt… » dit-elle du fond du tissu bleu qui la cerne, plus léoparde que Vierge Marie, tout de rouge vêtue sous son manteau félin, pour pasticher et déstructurer la chanson de Brel, Ne me quitte pas – titre de cette première partie – et comme si elle se moquait d’elle-même. Plus tard c’est Joe Dassin qui, curieusement, lui rend visite et qu’elle fera entendre, cultivant la provocation. Passent des images qui seront aussi comme des leitmotivs : quatre petites filles habillées de blanc ouvrent le spectacle et tournent les pages d’un livre qui visiblement les effraie, et qui s’enfuient en criant ; brassées de fleurs blanches, rouges ou jaunes que la performeuse dispose méthodiquement sur le sol comme sur son autel du sacrifice ; sylphides aux longs cheveux, nues souvent, visages peinturlurés de signes noirs, mi-tatouages mi-scarifications ; petit prince qui traverse la scène à maintes reprises accompagné d’un adulte enturbanné, habillé, plus tard plus dénudé, ou emmitouflé dans un anorak, ou encore yeux bandés, ou portant une couronne d’épines, comme l’agneau du sacrifice.

Dans le second tableau, L’heure est venue, Angelica Liddell jette des sorts et donne ses prédictions. Elle est assise en peignoir blanc à côté de ce qui pourrait ressembler à une énorme grenade. Dans le calme retrouvé, en apparence, elle fait le récit de sa traversée amoureuse et de l’écroulement. Elle raconte le séducteur, les promesses, les mensonges, « le psychopathe qui corrompt tout ce qui ne l’intéresse plus » et lance les insultes. Elle décrit par le menu le psychodrame traversé avec lui, la lâcheté, l’infidélité, l’abandon, le mal. Ojalá, si seulement ! lance-t-elle avec mépris dans la souffrance et la dévastation. Quelques personnages passent, comme ce jeune couple, sur lequel elle pose quelques gestes rituels.

On entre avec le troisième tableau, Desire, dans l’astéroïde 3318 de Karen Blixen découvert au Danemark en 1985, une formation du système solaire située entre les orbites de Mars et de Jupiter. Le plateau se transforme en lieu d’expérimentation à la manière de l’artiste autrichien contemporain Herman Nitsch, entre happening et performance portés par le mouvement Fluxus, qui traverse les arts visuels, la musique, l’architecture et la littérature. Angélica Liddell fait gicler la peinture rouge comme le sang et résonner la Symphonie n° 9 de Nitsch, The Egyptian, aux vibrations de fin du monde. Un vieux couple tout de blanc vêtu chapeau claque et tulle blanc se marie. Angélica dégaine son couteau, jalousie peut-être. Sur scène on plume des volailles, sur l’image de fond de scène une chèvre est vidée de son sang appelant le sacrifice. Un curé visage peint traverse le plateau tenant deux perroquets, trois chaises roulantes dans lesquelles ont pris place trois vieilles dames tricoteuses sont poussées par des infirmiers. Du sable blanc – ou du riz pour fêter le mariage – est répandu au sol, dans lequel un homme se roule et grave son empreinte, des scènes de dévoration se jouent, les sylphides en robe de couleurs traversent le plateau, tantôt à la verticale tantôt en troupeau d’ovins dans leur instinct grégaire. Cette partie propose une multitude de gestes symboliques exécutés par la performeuse qui convoque ses visions, et de références tant de cinéastes dont Andrzej Zulawski réalisateur de L’important c’est d’aimer, que de plasticiens. Elle est entourée de six acteurs et de nombreux figurants.

La partie quatre s’ouvre sur la citation de Goethe dans La Fiancée de Corinthe où une jeune femme morte se relève pour retrouver son fiancé et se transforme en vampire. Hommes et femmes portent des croix et on assiste au lavement des pieds comme un jeudi saint sur fond de chant flamenco. Du sang leur est versé dans les mains, un rituel se met en place au rythme du fifre. Angélica Liddell détient le Grand Livre, est-ce le pacte signé avec le diable, son livre de l’intranquillité, ou sa vérité ? « Appelle-moi Ismaïl ! » ordonne-t-elle et elle endosse le rôle du Messie, distribuant le pain et le poisson aux prélats chargés de gestes symboliques qui vont jusqu’à noyer les livres dont chacun s’est emparé. Des chants accompagnent le rituel. Le jeune garçon a disparu, ne reste qu’un anorak vide. On voyage entre le rêve et la malédiction, le mystère, le délire et les fantasmes, la messe noire, les envolées et le retour au réalisme. Les imprécations réduisant en pièces l’ancien amant reprennent de plus belle dans toute leur violence et restent le fil conducteur de sa pelote de haine. « On voit mieux Dieu depuis l’enfer » dit-elle, créant son petit enfer d’une causticité inépuisable sur scène, comme une inépuisée. Passe un cercueil blanc sur une charrette au son du blues.

La cinquième et dernière partie du spectacle nous ramène sur terre où Liddell à travers Blixen évoque la vieillesse, la décadence et la dépendance. Accompagnée de trois prêtres, elle est habillée de blanc. Faisant face au public, deux cercueils blancs posés sur tissus rouge, rideau de fond de scène rouge de même, la chambre qui ouvrira Dämon pour parler de Bergman. Elle lit ses directives, donc l’orchestration de son cérémonial final. Dernière pirouette de la performeuse, une jeune femme black, de blanc vêtu, entre sur scène, on l’installe dans le cercueil pendant que résonnent les nombreux coups de canon de ses dernières volontés. L’image de Liddell en première communiante se superpose à la présence de la jeune femme qui, un peu plus tard ressort de la boîte tandis que s’envole un corbeau et qu’un chant de joie en espagnol, Alegría, traverse la scène sous la baguette d’Angélica Liddell grande cheffe d’orchestre.

Vudú (3318) Blixen débute dans une grande agitation pour ne pas dire confusion pleine d’onomatopées et d’invectives. Le spectacle se structure et s’enrichit à chaque étape, entre la violence sourde et l’explosion. Angélica Liddell garde le secret et le cap, porteuse d’une grande poésie visuelle qui se réinvente et dessine sa cohérence au fil des heures qui passent. À tout moment le spectateur pourtant peut trébucher entre le pire et le meilleur, entendant jusqu’à sa souffrance à travers les mots jetés et son franc-parler, observant les gestes de la cruauté et sa résistance. On peut penser à Georges Bataille, sa réflexion sur le sacré et la transgression, l’érotisme et la mort, l’être et le non être ou à Antonin Artaud qui fait délirer l’art. Comme lui elle a le sens du jeu et de la mise en scène et mêle son expérience personnelle à sa création. La performeuse est l’incandescence même, le diable et le verbe incarnés et si elle ne transforme pas le plomb en or elle transforme l’amertume et le mal, en esthétique et en art.

Brigitte Rémer, le 3 avril 2026

Texte, mise en scène, scénographie, costumes Angélica Liddell – lumière Javier Ruiz de Alegría – son Antonio Navarro – dresseurs d’oiseaux Tristan Plot, Simon Thuriet – avec les acteurs : Yuri Ananiev, Guillaume Costanza, Ugo Giacomazzi, Angélica Liddel, Mouradi M’Chinda, Juan Carlos Panduro, Gumersindo Puche. Avec les figurants, en alternance : Cyriaque Alarcos, Thaïs Ben-Haïm Durbant, Francine Billard, Marek Boyreau, Lorys Camara Massicot, Eléonore Cervera, Ethan Chaneac, Fanny Cirou Waysfeld, Estelle Courret, Hugo Dartois, Adrienne De Nexon, Leonard De Sagazan / Morgensztern, Clément Dintilhac, Safya Dramé, Thomas Dutay Balcarce, Célia Dumont-Malet, Juliette Gadrat, Régine Geraud, Héloise Ghaleh Marzban, Adam Ghosn-Sordet, Lola Ghosn-Sordet, Cécile Goetz, Avril Gout, Effie Grandjean, Patrick Grandjean, Lisa Grandmottet, Jade Guisguillert, Maxime Hastoy, Zelig Hohenberg Tobaly, Selma Hubert, Arthur Igual Pomponi, Emma Kabouche, Léa Keiflin, Ekaterina Khamraeva, Margot Le Bidan, Loéline Le Rest, Sophia Liverton, Françoise Loreau, Laure Marion, Margaux Maugendre, Pauline Milhet, Elie Mortane, Judith Pascal-Stibbe, Jean- Michel Peteilh, Fabien Ratisseau, Ayden Rochelle, Mathild Schaller, Nahla Sobihi Descotes, Joy Souque, Laura Tinard, Carmen Tomasini, Zakelina Varesis, Margaux Wiersch – durée 5h30 (avec quatre entractes – Le texte est publié aux Solitaires intempestifs.

Du 27 mars au 12 avril 2026, du jeudi au samedi à 18h, le dimanche à 15h, à l’Odéon-Théâtre de l’Europe, place de l’Odéon. 75006. Paris – métro : Odéon – site : www.odeon-odeon.fr – tél. : 01 44 85 40 40

Ici sont les dragons / deuxième époque

1918-1933, Choc et Mensonges. Une création collective du Théâtre du Soleil en harmonie avec Hélène Cixous, dirigée par Ariane Mnouchkine – au Théâtre du Soleil / Cartoucherie.

La première époque se concentrait sur la révolution russe en 1917 et s’intitulait La Victoire était entre nos mains. On y assistait au renversement du régime tsariste, à la prise de pouvoir par les bolcheviques en octobre et à l’installation d’un régime communiste, à l’initiative de Lénine. Ariane Mnouchkine posait ainsi un geste fort face à l’invasion de l’Ukraine par la Russie.

La seconde époque couvre les années 1918-1933 et s’intitule Choc et Mensonges. On y suit la montée du nazisme en Allemagne et l’accession d’Hitler au pouvoir sur fond de propagande du Reich et la montée du stalinisme en Russie. Après la première guerre mondiale, on pensait que la paix allait s’installer dans le monde, mais la haine et le totalitarisme lui ont en fait succédé.

Les dates défilent sur écran et ponctuent la représentation dont la puissance visuelle et la dynamique montent d’un cran au-dessus de l’épisode précédent. Même style et technique scénique à partir des masques représentant les Staline, Lénine, Trotsky et autre Hitler (masques signés Erhard Stiefel, récemment disparu, assisté de Simona Vera Grassano). Même multilinguisme à partir d’enregistrements savamment synchronisés aux discours et à la nationalité des hérauts (allemand, anglais, français, japonais, russe, ukrainien), bridant parfois le jeu et le décalant. Des toiles peintes de toute beauté dessinent l’environnement (peintures Elena Ant, assistée de Hanna Stepanchenko). Ariane Mnouchkine et la trentaine d’acteurs et d’actrices qu’elle a pilotés, nous livre des fragments de l’Histoire qui courent sur une quinzaine d’années et qui éclairent le présent.

1918, il neige, les Allemands sont à cent-cinquante kilomètres de Pétrograd. Lénine essuie une tentative d’assassinat, le 30 août 1918, à Moscou. La police politique (la tchéka) qu’il met en place depuis 1917, pour lutter contre une potentielle contre-révolution, remplit sa mission. Les conférences internationales de Paris et Versailles qui ont débuté en janvier 1919, organisées par les vainqueurs de la Première Guerre mondiale pour négocier les traités de paix se clôturent un an plus tard, en janvier 1920. Léon Blum fait un discours remarqué au Congrès de Tours, en décembre1920. Il y parle de socialisme humaniste, fraternel et universaliste pour consolider l’unité socialiste née avec la SFIO en 1905, et après l’assassinat de Jean Jaurès, en juillet 1914. Le mouvement se montrent plutôt hostile à la révolution bolchevique qui gagne assez vite du terrain. « Prolétaires de tous les pays, unissez-vous ! » entend-on alors.

Lénine a pour ambition d’étendre la révolution au reste du monde et fonde en 1919 l’Internationale communiste, provoquant à l’échelle mondiale une scission de la famille politique socialiste. Mais bientôt ses forces s’amenuisent, et il meurt au début de l’année 1924, embaumé et accompagné de nombreux coups de canon. La pièce le montre à plusieurs reprises en palabres, tant avec Staline qu’avec Trotsky alors qu’entre les deux commence la curée et la marche vers le pouvoir. Lénine penchait davantage vers Trotsky mais c’est Staline qui emporte le leadership. Alexandre Zinoviev, révolutionnaire bolchevik disciple de Lénine, a remplacé Martov, autre disciple contraint à l’exil en Allemagne pour fuir l’antisémitisme qu’il subit. La pièce montre Lénine et Zinoviev, un temps au Soviet Suprême, il sera exécuté en août 1936 à Moscou, en tant qu’opposant à Staline.

En 1918 du côté de l’Allemagne, quand la Bavière se révolte contre la monarchie et que le Conseil des Ouvriers, Soldats et Paysans de Munich exige l’abdication du roi de Bavière, les Wittelsbach quittent Munich, Louis III abdique et la Bavière s’autoproclame république populaire. Dans la capitale de la Prusse, à Berlin, le MSPD, qui a de l’influence sur le cabinet ministériel, exige l’abdication immédiate du Kaiser et le départ des Hohenzollern. La République de Weimar se met en place et prépare le lit des idéologies totalitaires compte tenu de la crise politique, sociale et économique, de l’incertitude et du chaos. Le 30 janvier 1933, Paul von Hindenburg, président du Reich en exercice depuis 1925, nomme comme chancelier Adolf Hitler à la tête d’un nouveau cabinet et gouvernement, dès lors le destin de l’Allemagne et du monde est scellé.

Les tableaux se succèdent, avec le défilé des hommes politiques comme ce trio Lénine, Trotsky, Staline, dans la maison de campagne de Lénine, sorte de wagon type Orient Express version simplifiée, les complots se font et se défont, les menaces et attentats guettent, les marins de Kronstadt qui étaient l’avant-garde de la révolution d’Octobre se révoltent contre le régime bolchevique et son centralisme. La répression est sévère. 1922, des fleurs, une palissade, un fauteuil, une table, chez Staline. Passe un corbeau, oiseau de mauvais augure. Une toile de Kandinsky est suspendue au mur. On parle de Fritz Gorlich, historien et journaliste allemand, figure de proue de la presse d’opposition au nazisme dont les prises de position lui valurent d’être assassiné lors de la nuit des Longs Couteaux, en juin 1934. On prend connaissance des lettres d’Hitler, écrites en prison où il se trouve suite au lamentable putsch qu’il avait fomenté à Munich, en novembre 1923. Ce moment de mise à l’écart lui donne le temps d’écrire Mein Kampf qui devient vite un best-seller. À sa sortie de prison Hitler reprend la tête du Parti nazi et sa propagande. Les croix gammées fleurissent. En janvier 1928, Trotsky est exilé à Alma-Ata, dans le Kazakhstan puis chassé d’URSS un an plus tard, et contraint à se réfugier sur l’île de Prinkipo, en Turquie, jusqu’en 1933. Beaucoup de gouvernements lui refusent l’asile politique. Il se rend en France jusqu’en juin 1935, puis en Norvège jusqu’en septembre 1936, et, finalement, au Mexique où il sera assassiné par un agent de Staline, en août 1940.

Tous les décors sont sur roulettes et manipulés par les acteurs en une vaste chorégraphie, précise, efficace et belle. Lanternes, réverbères et lampes de poche, les lumières sont aussi inventives que le reste (Virginie Le Coënt, Noémie Pupier, assistées de Lila Meynard), teintant l’ensemble d’une écriture scénique qui traduit l’époque. Trois femmes traversent la scène de loin en loin, énoncent des poèmes et font des prédictions. La bande son, (Thérèse Spirli, assistée de Mila Lecornu) suit les mouvements de la rue, et de la foule, et la musique dont le chant et la contrebasse, apporte ses couleurs (Clémence Fougea). Le playback multi-langue donne aux personnages cette légère rigidité. Un acteur lit la lettre adressée par Boulgakov, accablé par la censure, à Staline, en 1929, lui demandant ou bien la liberté de publier et de faire jouer ses pièces ou bien la liberté de quitter l’URSS. L’image finale est forte : une mer démontée rugit et engloutit la raison. Un acteur tente la traversée, il est emporté. Comme Göring ministre de l’Intérieur pour la Prusse et ministre sans portefeuille dans le premier gouvernement Hitler du 30 janvier 1933, son acolyte destructeur dès 1934. Il déchainera la violence des SA contre les opposants. Montent les voix de la résistance tant française autour de De Gaulle qu’anglaise autour de Churchill.

Sur un texte d’Hélène Cixous, la maîtrise d’œuvre et le travail artisan d’Ariane Mnouchkine, l’énergie des acteurs du Théâtre du Soleil appellent l’Histoire, en ces temps incertains cela est salutaire.

Brigitte Rémer, le 31 mars 2026

Avec : Hélène Cinque en alternance avec Dominique Jambert, Andrea Marchant Fernandez, Judit Jancsó, Aline Borsari, Alice Milléquant, Vincent Martin, Hanna Kuzina, Ève Doe Bruce, Elise Salmon, Jean Schabel, Seear Kohi, Duccio Bellugi-Vannuccini, Astrid Grant, Ariane Hime, Nolan Berruyer, Xevi Ribas, Agustin Letelier, Vijayan Panikkaveettil, Tomaz Nogueira da Gama, Mitia Zloto, Victor Gazeau, Andrea Formantel Riquelme, David Stanley, Pamela Marin Munoz, Maurice Durozier, Shaghayegh Beheshti, Vincent Mangado, Clémence Fougea, Ya-Hui Liang, Marilou Poujardieu, et les voix de Ira Verbitskaya, Clémence Fougea, Reiichi Sato, Hanna Kuzina, Charlotte Krenz, Amoto Taniguchi, Judit Jancsó, Iori Onoguchi, Arman Saribekyan, Egor Morozov, Artem Bannikov, Sacha Bourdo, Artem Tokmakov, David Stanley, Vincent Martin, Johannes Oliver Hamm, Philipp Weissert, Ciaran Creswell, Vincent Mangado, Brontis Jodorowsky, Hao-Yang Wu, Maurice Durozier, Alexandre Zloto, Yuriy Zavalnyouk, Rainer Sievert, Ciaran Cresswell, Martin Vaughan Lewis, Onochi Seietsu – Musique Clémence Fougea – son Thérèse Spirli, assistée de Mila Lecornu – images Diane Hequet – umières Virginie Le Coënt, Noémie Pupier, assistées de Lila Meynard – peintures Elena Ant, assistée de Hanna Stepanchenko – soies Ysabel de Maisonneuve – masques Erhard Stiefel, assisté de Simona Vera Grassano – masques et accessoires Xevi Ribas, Miguel Nogueira, Lola Seiler, Sibylle Pavageau, assistés de Léo Dalric – figurines Miguel Nogueira – costumes Marie-Hélène Bouvet, Barbara Gassier, Nathalie Thomas, Annie Tran, Elisabeth Cerqueira, avec l’aide de Fanny Copéré, Zoé Lenglare, Patricio Luengo, Andréa Millerand, Chloé Bucas – perruques et coiffures Jean-Sébastien Merle – décors David Cohen Buizard, Naweed Kohi, Reza Rajabi, Aref Bahunar, Pablo Canon-Rozain, Noël Chainbaux, Olivier Ros avec l’aide de Martin Claude, Clément Vernerey, Pierre Mathis-Aide, Chloé Combes – effets spéciaux Astrid Grant, avec l’aide de Nolan Berruyer, Ève Doe Bruce, Judit Jancsó, Hanna Kuzina, Alice Milléquant, Marilou Poujardieu – conseils historiques Galia Ackerman, Stéphane Courtois – archiviste Dominique Hambert – traduction des archives Johannes Oliver Hamm, Rainer Sievert, Philipp Weissert – assistant à la mise en scène Alexandre Zloto – surtitrage Manon Ricou – régie générale Aline Borsari, assistée de Seear Kohi – régie images Diane Hequet, en alternance avec Axel Caudal et Pierre Lupone – production Théâtre du Soleil – coproduction TNP Villeurbanne – Avec le soutien exceptionnel, à l’occasion de la célébration des 60 ans du Théâtre du Soleil, de la Région Île-de-France, du Ministère de la Culture et de la Ville de Paris – durée : 3h10 (entracte compris)

À partir du 12 mars 2026 – Deuxième Époque, le mercredi et le jeudi à 19h30, le dimanche à 14h – Première ou Deuxième Époque en alternance, le vendredi à 19h30 – Intégrale, le samedi à 14h – Théâtre du Soleil, Cartoucherie, 2 Route du Champ de Manœuvre. 75012 Paris – 01 43 74 24 08 / Théâtre Online – site : www.theatre-du-soleil.fr

Trust me for a while

Conception, écriture et mise en scène Yngvild Aspeli – interprétation : Pédro Hermelin Vélez, Mélody Shanty Mahe, Alix Weugue, en alternance avec Laetitia Labre – fabrication marionnettes Polina Borisova – compagnie Plexus Polaire, dans le cadre du Festival Marto – Le Beffroi, Salle Blin, à Montrouge.

Dans la grande salle de Montrouge un petit castelet défini par trois rideaux sur roulettes bordés d’un liseré doré un peu défraichi. On est à Medellin avec Pedro et le chat est mort, dit-on. Or le chat est bien là, gardien du castelet. À l’avant, la marionnette, Teddy, belle sculpture à la bouche articulée (fabrication Polina Borisova), dialogue avec son manipulateur qui, par sa ventriloquie, interprète les deux rôles (Pédro Hermelin Vélez).

La marionnette traverse une crise existentielle « J’ai peur… » dit-elle à son presque alter ego qui ne la ménage guère. Entre l’un et l’autre s’engage une lutte de pouvoir entre l’objet et le personnage, la marionnette et l’acteur. « Putain de cartésien ! » lui dit sa marionnette… « Je donne ma langue au chat » répond l’autre sous le regard du minet et dans les lumières de Vincent Loubière.

Le spectacle travaille sur l’illusion, commenté par une composition musicale de Greg Hall, et le manipulateur rappelle aux spectateurs que tout est illusion. Sort une musique, on ne sait d’où, un chant accompagné au ukulélé, car le spectacle est plein de malice et de surprise. Le son sortirait de la malle, déposée là… Mais le ton monte entre les deux têtes de bois et la marionnette commence à dérailler dit son manipulateur qui lui tape dessus et la blesse, puis la soigne d’une bande sur la tête, et l’enferme dans une malle. Le numéro de music-hall qu’ils devaient réaliser s’annule.

Et quand il réouvre la malle pour délivrer cette marionnette indomptée et indomptable à ses yeux, elle a pris la poudre d’escampette. La malle est vide et le mal est fait. Les retrouvailles, quand il met la main dessus, se passent dans la violence et c’est Teddy la marionnette qui, excédée, tape allègrement sur son manipulateur. Le castelet tremble, les rideaux frissonnent et sont en folie. Se met en place un duo avec Rogers, le chat à la drôle de gueule, un peu serpent ou un peu rat. On entend chanter le chat est mort, mais quand on ouvre à nouveau la malle il est bien vivant, par un zeste de magie.

Et le combat continue avec Teddy la marionnette et avec le chat. Le sang gicle sur les rideaux du castelet « Avec toi, Pedro, on va voir ce qu’est une illusion… » et les jeux s’inversent, Pedro se transforme en marionnette sous la main augmentée de Teddy, qui a grossi considérablement brouillant les échelles de la scénographie, et qui refait la même démonstration de la mise en pièces de sa créature. Un couteau circule, Pédro devient le cobaye, on l’enferme dans la malle et Teddy s’assied dessus, œil pour œil. Pedro supplie qu’on l’en ressorte. Le chat a grossi dans les mêmes proportions que la main de Teddy, le théâtre panique est à son comble. Dans ce joyeux brouhaha et pour fermer la fable de l’arroseur arrosé, une question rhétorique est lancée, pour que chacun reste à sa place et regarde dans la bonne direction. Trust me for a while signifie Faites-moi confiance, un petit moment…

Ce qui pourrait passer pour un léger divertissement et qui vire au cauchemar éveillé n’est pas si innocent que ça. Le spectacle pose en effet la problématique du rapport de l’objet-marionnette à l’acteur, ici d’une manière loufoque entre fête foraine et grand-guignol, tout en apportant de l’eau au moulin de la réflexion. Pedro Hermelin Vélez, talentueux marionnettiste franco-colombien a découvert la marionnette lors d’une masterclass de Yngvild Aspeli à l’Ecole Jacques Lecoq. Dans son amour-haine avec sa marionnette et dans sa ventriloquie il excelle et nous conduit de la décontraction et du ludique à la tension et la débandade. Yngvild Aspeli qui pilote l’ensemble est une grande metteure en scène, elle sait jouer de différents styles et langages scéniques dans une large palette. Pour mémoire, Une Maison de poupée qu’elle vient de présenter au théâtre Silvia Monfort (cf. Ubiquité-Cultures du 22 mars 2026).

Trust me for a while est conçu comme un spectacle d’horreur humoristique, dans une forme légère prête à s’adapter dans des salles de classe ou des gymnases.

Brigitte Rémer le 29 mars 2026

Avec : Pédro Hermelin Vélez, Mélody Shanty Mahe, Alix Weugue (en alternance avec Laetitia Labre) – Le spectacle a été créé avec Pédro Hermelin Vélez, Mélody Shanty Mahe, Pierre Lac, acteur·rices nouvellement diplômé·es de l’ENSAM de Charleville-Mézières et Laetitia Labre – collaboration à l’écriture et à la dramaturgie Pauline Thimonnier – assistanat à la création : Laetitia Labre, Aitor Sanz Juanes, Andreu Martinez Costa – fabrication marionnettes Polina Borisova – composition musique Greg Hall – lumières Vincent Loubière – technicien en tournée – Pierre-Aimé Ballot en alternance avec Simon Masson – production Plexus Polaire Claire Costa – administration Plexus Polaire Anne-Laure Doucet – chargée de production Plexus Polaire Iris Oriol

Vu le 14 mars à Montrouge (92) Le Beffroi/salle Blin – métro : Mairie de Montrouge – Dans le cadre du Festival Marto – site : www.festivalmarto.com et www.plexuspolaire.com

Goodbye Lindita

Mise en scène, dramaturgie Mario Banushi – dramaturge associée Sofia Eftychiadou – dramaturgie Aspasia-Maria Alexiou, du National Theatre d’Athènes – assistanat à la mise en scène Afroditi Kapokaki, Theodora Patiti – à l’Odéon Théâtre de l’Europe / Ateliers Berthier.

On pénètre dans l’intimité d’une famille, l’intérieur est modeste, plutôt vieillot et dans un clair-obscur. Côté jardin un lit, une commode, côté cour une table et quelques chaises placées devant une fenêtre où, à certains moments, le rideau vole. Une vierge noire, orthodoxe, enchâssée de doré, est suspendue sur le mur et nous fait face. La télé est allumée, un vieux poste. Le père, et la mère qui plie du linge, sont assis devant. Vers le lit, une jeune femme, de dos. L’ambiance est lourde et l’ensemble silencieux.

À pas lents la mère se dirige vers le lit, on dirait qu’elle a cent ans. La jeune femme – une de ses filles, la prend dans les bras. Elle s’étend. Mario Banushi – jeune metteur en scène né en Albanie où il a grandi jusqu’à l’âge de six ans, élevé par sa grand-mère avant que sa mère ne l’amène en Grèce, où il s’est ensuite formé pour le théâtre au conservatoire d’Athènes – invente un théâtre de silence et de visions, nourri de ses souvenirs d’enfance entre les deux pays.

Le père positionne la commode au centre de la scène, pousse le linge posé dessus et nous place au cœur du sujet, la mort. Le meuble se déplie. À l’intérieur une jeune femme, nue et immobile. L’image est impressionnante et le spectateur se doit de construire son propre scénario tout au long du spectacle, de reconstituer la famille pour faire le lien entre les images proposées et qui s’inscrivent entre la vie réelle et réaliste, le mystique et le fantastique, le symbolique.

La porte grince et s’ouvre laissant passer un brin de lumière développant le jeu des ombres sur les murs du théâtre (magnifique création lumière de Tasos Palaioroutas). Deux jeunes femmes entrent, probables sœurs des deux autres, celle qui est étendue là, et celle qui soutient la mère, mater dolorosa. Le père partira sangloter au fond de ce même lit avant qu’il ne se métamorphose en bac, ou en baignoire. Des reflets mouvants sur le mur de côté montrent le frissonnement de l’eau, dans une scénographie simple et inventive (scénographie et costumes Sotiris Melanos).

La liturgie se met en place, lente chorégraphie de la mort, et commence par une poignée de cendres ou de terre que chacun dépose sur le corps. Puis la jeune morte se lève et nous fait face dans un long silence. Entourée de ses sœurs et de la mère, la toilette mortuaire commence avec douceur, douleur et tendresse. Tout est codifié, chaque geste y a un sens, et l’eau appelle celle du baptême et de la purification avant le dernier voyage. Quelques notes accompagnent la séquence, guitare ou saz ou bouzouki. Tout au long du spectacle, des petits bruits de la vie et de la ville au chant lyrique, la bande son traduit les reliefs intérieurs des personnages et leur chagrin (musique Emmanuel Rovithis).

Au cours du cérémonial, entre une femme métisse portant un fagot de bois, elle s’incline puis décroche l’icône du mur. Un trou béant apparaît dans lequel elle s’engouffre, geste qui sera commenté dans l’image finale du spectacle. Les libations terminées, la morte est habillée avec lenteur et précision, dans ses plus beaux vêtements de couleur, on lui présente un miroir. Elle est en majesté. On se croirait dans les préparatifs d’un mariage où ne manque plus que le marié, ou dans les rites d’un sacrifice où elle serait l’élue. On cache son visage d’une belle étoffe rouge qui lorsqu’elle se retire découvre un masque de mort, doré, saisissant. On dirait une princesse des momies égyptiennes ou une figure du théâtre japonais Bunraku. On l’installe du côté cour sur une banquette de bois, un fichu rouge noué sur la tête.

Surgit du public un homme, (Mario Banushi) qui se place auprès d’elle, l’enlace et s’immobilise avant d’installer des chaises pour faire cercle. Des bouquets multicolores sont déposés au sol. On allume la télévision tirée jusqu’à elle et l’homme prend des photos pour capter le moment où les quatre filles sont encore réunies autour des parents. Une clarté tamisée passe par la fenêtre, le rideau vole donnant la sensation d’un monde immobilisé, et comme suspendu. La mère à son tour fait ses ablutions dans le même bac et la même eau, une fumée d’encens dont l’odeur parvient jusqu’aux spectateurs passe par la porte. Une danse de possession se met en place, qu’interprète, nue, l’une des filles de la famille, un moment surprenant, éblouissant de densité et de précision.

La folie de la mort se déchaîne dans les éléments, vent, pluie, tempête, autant que chez les personnages. Le père entre dans la danse avec sa fille, l’une des sœurs apparaît comme animale, dans les fleurs. La jeune morte se lève et se jette à son tour dans le trou béant que cachait l’icône, elle disparaît. Les pans de praticables, murs de la maison s’écartent, ouvrant sur le fond de scène dans lequel se trouve, semblable à une image saint-sulpicienne, la jeune femme au fagot qui trône en majesté, comme une divinité. La mère s’avance vers elle , sorte de Marie-Madeleine et la prend dans ses bras.

Mario Banushi a construit son spectacle-allégorie en 2021, après la mort de Lindita, sa belle-mère, d’où le titre Goodbye Lindita. C’était sa première création dramatique, autour de l’événement et en observant les réactions des uns et des autres, chacun vivant son deuil de manière différente. En 2022 il présente sa première mise en scène à Athènes, Ragada, dans une maison, faute d’avoir trouvé un théâtre. Le directeur du Théâtre National de Grèce voit le spectacle et l’appelle sitôt après pour lui demander la mise en scène d’une pièce. Vu la difficulté des débuts il en fut ébranlé. En 2023, au Festival Bitef de Belgrade, il présentait pour la première fois son travail à l’international. En 2025 il était au Festival d’Avignon avec son spectacle Mami, repris à l’Odéon dans quelques jours, en avril. Son travail est poétique et d’une grande beauté, exigeant, raffiné, dans une maîtrise technique impressionnante tant dans la chorégraphie des gestes, de l’espace et de la scénographie, que dans les lumières et le son. Sa palette nous mène du réalisme au magique avec une évidence et une fluidité, remarquables, à partir d’iconographies, laïque ou chrétienne, qu’il transforme pour y imprimer ses visions, et les partager. C’est un grand artiste.

Brigitte Rémer, le 29 mars 2026

Avec : Mario Banushi, Dafni Drakopoulou, Alexandra Hasani / Megi Shuli, Akillas Karazisis, Erifyli Kitzoglou, Rita Lytou, Heleni Habia Nzanga, Eftychia Stefanou. Scénographie, costumes Sotiris Melanos – lumière Tasos Palaioroutas – dramaturge associée Sofia Eftychiadou – dramaturgie (National Theatre) Aspasia-Maria Alexiou – assistanat à la mise en scène Afroditi Kapokaki, Theodora Patiti – musique Emmanuel Rovithis – relations internationales Nikos Mavrakis – Goodbye Lindita a été commandé et produit par le Théâtre National de Grèce pour la saison 22/23. Le spectacle a été créé le 29 mars 2023 sur la scène expérimentale du Emerging Artists – Rex Theatre – « Katina Paxinou » – production déléguée TooFarEast.

Du 28 mars au 5 avril 2026, les mardis, mercredis, jeudis, vendredis et samedis à 20h, le dimanche à 15h, relâche les lundis – Odéon Théâtre de l’Europe / Berthier, 1, rue André Suarès. 75017. Paris – métro : Porte de Clichy – site : www.theatre-odeon.eu +33 1 44 85 40 40 – et reprise du spectacle de Mario Banushi, Mami, du 9 au 16 avril 2026, dans ce même lieu, Odéon Théâtre de l’Europe / Berthier.

Et la terre se transmet comme la langue

Oratorio jazz d’après l’oeuvre de Mahmoud Darwich * – Récitant Elias Sanbar – Composition musicale et vibraphoniste Franck Tortiller – Soprano Dominique Devals – Guitare Misja Fitzgerald Michel – Saxophone Maxime Berton – Percussions et chant Patrice Héral, au Théâtre du Châtelet, Paris.

J’entends ce puissant oratorio pour la seconde fois, la première était à Marseille, le concert clôturait les Rencontres d’Averroès au Théâtre de la Criée, en novembre 2025. Il était le 12 mars au Théâtre du Châtelet que dirige Olivier Py, ancien directeur du Festival d’Avignon, qui avait invité la poésie de Palestine. Les mots du grand poète Mahmoud Darwich, Et la terre se transmet comme la langue, avec pour récitant son ami et traducteur, Elias Sanbar, historien, écrivain, ancien ambassadeur pour la Palestine auprès de l’Unesco, mis en musique par Franck Tortiller, est un moment rare autour de ce poème d’une grande intensité.

Dans son accueil au public et en introduction, Elias Sanbar parle de l’exil d’un peuple, le sien, palestinien, des crimes de guerre et des crimes contre l’humanité commis par Israël à l’encontre de son pays, et qui se répètent. « En perdant notre terre nous avons perdu nos maisons dit-il. Nos poèmes sont nos maisons. Nous habitons nos poèmes. »

Il évoque aussi son « cercle rapproché » comme il le nomme, ceux avec qui, loin de leur terre, se tisse une complicité magique dans une tendresse mutuelle. Leïla Shahid était de ce premier cercle, elle vient de se retirer du monde. Le chagrin est immense. « Elle était une résistante qui a bouleversé le paysage, elle nous manque, dit-il. Leïla était une immense figure en France, en Europe et dans l’ensemble du Monde Arabe. Sa force, son humanité profonde, sa perception de l’égalité, sa volonté de parité en tout, étaient un exemple. » (cf. notre article sur Leïla Shahid, publié le 22 février 2026, dans ubiquité-cultures.fr ).

Mahmoud Darwich (1941-2008) se disait « poète troyen requis de retrouver la grande épopée de Troie, engloutie avec la cité vaincue. Mais à Troie ils sont rentrés, au terme de leur long voyage forcé. » Telle fut sa quête poétique tout au long de la vie. « Et la terre se transmet comme la langue est cette Odyssée, le chant retrouvé de ceux qui, dans la perte, acquirent la force des dépassements donnant un peu de beauté à ce monde de barbarie. » Mahmoud Darwich est cette figure-Phare qui redonne l’espoir, porté par le plus vibrant passeur de ses textes, Elias Sanbar. Il s’est envolé vers l’ailleurs, en 2008. Nous re-publions ci-dessous le texte écrit après le concert de novembre 2025.

« Sur scène, Elias Sanbar, son émotion et la nôtre, il est entouré de quatre musiciens – Franck Tortiller le compositeur, Misja Fitzgerald Michel, Maxime Berton et Patrice Héral, ainsi que de la soprano Dominique Devals. « La nationalité des poètes, c’est la langue » dit-il, en introduction, avant d’évoquer l’actualité génocidaire subie par Gaza et au-delà, de plus en plus, par la Cisjordanie, fomentée par des hommes d’affaire et beaucoup de complicité. « Depuis 1948 mon peuple est soumis à une mise en demeure » poursuit-il. « Partez, vous serez saufs ! » leur dit-on. La mémoire individuelle de chaque famille se mêle à la mémoire collective. « Nos parents sont partis dit-il, mais ils pensaient revenir très vite. » Et il questionne les Républicains espagnols qui entendaient la même chose. « Est-ce que vous seriez partis, si vous saviez que vous ne reviendriez pas ? »

Avec la tragédie d’aujourd’hui, dans la souffrance de l’anéantissement de Gaza – 68 000 morts pour 700 000 habitants dans la ville, avant le conflit, 85 à 95% du territoire détruit, il confirme : « Nous ne sortirons pas de ce paysage, même si le prix est très lourd ! Le peuple palestinien ne bougera pas, il est chez lui. Nous sommes chez nous. Nous répondrons par des poèmes… » Beaucoup de poèmes ont été écrits et continuent de s’écrire, beaucoup sont traduits et publiés en France. « En arabe, le verbe est poétique, nous habitons nos poèmes poursuit Elias Sanbar, comme on habite la maison الْبَيْت (al bayt). »

Mahmoud Darwich était un magnifique diseur de ses textes, dans un rythme si particulier et une sorte de psalmodie dans laquelle il projetait les mots avec énergie. Le poème Sur cette terre, ouvrait ses récitals, Elias Sanbar le porte aujourd’hui : « Sur cette terre, il y a ce qui mérite vie : l’hésitation d’avril, l’odeur du pain à l’aube, les opinions d’une femme sur les hommes, les écrits d’Eschyle, le commencement de l’amour, l’herbe sur une pierre, des mères debout sur un filet de flûte et la peur qu’inspire le souvenir aux conquérants… Sur cette terre se tient la maîtresse de la terre, mère de préludes et des épilogues. On l’appelait Palestine. On l’appelle désormais Palestine. Ma Dame, je mérite la vie, car tu es ma Dame. »

Et la terre se transmet comme la langue, a été écrit par Mahmoud Darwich depuis Paris où il résidait, en 1989. Dans ce long poème en prose il parle de la douleur de l’exil et de la force qu’il faut pour puiser en soi, malgré l’errance, pour garder l’espérance dans l’attente du retour. Le poète évoque alors la première Intifada, qu’on appelle la guerre des pierres, conflit entre les Palestiniens des territoires occupés et Israël, et qui s’étend de décembre 1987 à la signature des accords d’Oslo, en 1993.

Monte la musique, les instrumentistes aux aguets, puis se révèle la voix de la soprano Dominique Devals qui a chanté la poésie palestinienne et particulièrement Mahmoud Darwich dans différents contextes. Elle est ici chanteuse et récitante dans la mise en musique réalisée par Franck Tortiller et créée au Volcan-scène nationale du Havre en 2019, puis reprise à la Philharmonie de Paris en 2020 et au Festival d’Avignon en 2022. Franck Tortiller, vibraphoniste, a composé un oratorio sublime où les voix se mêlent, celles des instruments, celles du récit et celles du chant en un personnage collectif frappé par le destin, comme le chœur de la tragédie grecque.

Le vibraphone étouffe les lames en même temps que les larmes, les sonorités sont douces dans l’équilibre des harmoniques et vibratos, dans la note qui se prolonge et se perd, dans les sons graves, ronds et chaleureux, ou plus clairs, ou encore brillants. Il entraine le saxophone de Maxime Berton, la guitare de Misja Fitzgerald Michel et les percussions de Patrice Héral, qui parfois déchire l’espace d’interventions vocales. La voix des instruments dans leurs interjections et leur musicalité, dans leur fougue, traduit les désespoirs et les espoirs, dialoguant du récit au chant, du murmure au cri. « Ils sont rentrés… aux confins de leur obsession, à la géographie de la magie divine. » Parfois le texte est pur récitatif, parfois le chant répond, qui s’élève sur l’absence. Lancinants, reviennent les mots rythmés par Elias Sanbar, Et la terre se transmet comme la langue, c’est le leitmotiv qui structure le poème.

Sobrement et finement pensée et réalisée, cette œuvre musicale lance des ponts jusqu’à la Palestine à partir des mots de Mahmoud Darwich. Et la terre se transmet comme la langue est une traversée lyrique, dans une nouvelle traduction revue par Elias Sanbar en 2022. Sur ce navire, Palestine, Mahmoud Darwich pour capitaine, commandants en second Elias Sanbar et Franck Tortiller, figure de proue Dominique Devals, amiraux Misja Fitzgerald Michel, Maxime Berton et Patrice Héral, on voyage, dans l’attente du retour.

« Comment entrer dans le jardin des portes quand l’exil est l’exil ?… Ils savaient l’avenir de l’hirondelle quand le printemps l’embrase, rêvaient du printemps de leur obsession qui viendrait ou ne viendrait, savaient ce qu’il advient lorsque le rêve naît du rêve et qu’il sait qu’il ne faisait que rêver et savaient, rêvaient, rentraient, rêvaient, savaient, rentraient et rentraient, et rêvaient, rêvaient et rentraient. » La densité d’un final, scandé par l’espoir. »

Brigitte Rémer, le 25 mars 2026

*Mahmoud Darwich, né en 1941 à Birwa, près de Saint-Jean-d’Acre, et mort à Houston en 2008, est unanimement considéré comme l’un des plus grands poètes arabes contemporains. Auteur d’ouvrages maintes fois réédités et traduits partout dans le monde, il est publié en France par Actes Sud (source de cette présentation) – Et la terre se transmet comme la langue, et autres poèmes, de Mahmoud Darwich, traduits de l’arabe (Palestine) par Elias Sanbar, coll. Babel, Actes Sud, 2025. Cet article a été publié par Ubiquité-Culture(s) le 2 décembre 2025.

Vu le dimanche 23 novembre 2025, à 17h, aux Nouvelles Rencontres d’Averroès – Théâtre de la Criée, 30 quai de la Rive Neuve. 13007, Marseille – Site : www.nouvellesrencontresaverroes.com – Revu le jeudi 12 mars 2026, à 20h, au Théâtre du Châtelet, place du Châtelet. 75004. Paris. Site : www.chatelet.com